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PORTO ROCHA est une agence de branding et de design basée à New York développant un travail créatif et stratégique qui s&#8217;engage profondément dans le monde dans lequel nous vivons.
Elle se situe à l&#8217;intersection de la stratégie et du design, de l&#8217;entreprise et de la culture, de l&#8217;artisanat et du travail à grande échelle.
Travaillant en étroite collaboration avec des personnes et des entreprises pour créer des systèmes de marque, des produits et des expériences, ils cherchent à provoquer des changements significatifs à travers leur travail, qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets à grande échelle qui touchent des publics importants ou d&#8217;initiatives motivées par des considérations sociales et culturelles.
Felipe Rocha : Fondateur et directeur de la création 
Felipe Rocha est un designer et directeur créatif brésilien basé à New York. Il a commencé sa carrière en 2008 et a depuis travaillé dans différents domaines du design, notamment l&#8217;image de marque, l&#8217;expérientiel, l&#8217;éditorial, le numérique et la publicité. Felipe a créé des œuvres culturellement pertinentes pour des marques mondiales telles que Netflix, Airbnb et Spotify, où il a dirigé la conception de nouvelles initiatives de marque et de collaborations avec des artistes majeurs. Il a également travaillé en tant que designer senior chez Sagmeister &amp; Walsh, a cofondé Arnold, un studio de design graphique à São Paulo, et a effectué une résidence à Fabrica, le laboratoire créatif de Benetton en Italie, où il a travaillé sur l&#8217;emblématique magazine COLORS.
Leo Porto : Fondateur et directeur de la création 
Leo Porto est un designer et directeur créatif brésilien vivant à New York. Avant de créer PORTO ROCHA, Leo était directeur du design chez COLLINS. Tout au long de sa carrière, Leo a travaillé dans des studios renommés tels que Pentagram, Mother et Chermayeff &amp; Geismar &amp; Haviv. Largement reconnu par un certain nombre de prix de design et de publications majeures telles que The One Club, Print Magazine et The Type Director&#8217;s Club, Leo a également été nommé &#8220;Young Gun&#8221; par The Art Directors Club. Axé sur la stratégie de marque et les systèmes de conception, le travail de Leo maintient une présence mondiale grâce à ses conceptions pour certaines des plus grandes marques du monde, notamment Target, Nike et Twitch.

Porto Rocha

(Quels futurs pourrions-nous concevoir ?)
Cofondée par les designers brésiliens Leo Porto et Felipe Rocha, PORTO ROCHA est une agence de design basée à New York qui travaille à l&#8217;intersection de la stratégie et de la culture. Dans cette session, Felipe et Leo discuteront de leur parcours créatif et exploreront les changements de paradigme qui affectent les designers contemporains et futurs.

What Futures Could We Design ?

Théâtre

Gemma O&#8217;Brien est une designer et une artiste de renommée internationale connue pour ses graphiques audacieux, ses lettrages illustratifs et ses peintures murales.
Ses œuvres ont été commandées par Apple, Nike et Google, et font partie de la collection permanente du Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum à New York.
En dehors de son travail de conception commerciale, elle explore le langage, la nature et l&#8217;expérience humaine à travers sa pratique artistique.

Gemma O'Brien

(Comment devenir une artiste ultra)
Après une décennie passée à travailler dans le domaine du graphisme, de l&#8217;art et de l&#8217;illustration, Gemma O&#8217;Brien a été intriguée par l&#8217;idée que l&#8217;ultrarunning pourrait en fait contenir les secrets d&#8217;une longue vie d&#8217;artiste.
Rejoignez-la au KIKK à Namur 2023 pour qu&#8217;elle partage les premières histoires de sa carrière, les processus pratiques derrière ses plus grandes installations murales et qu&#8217;elle explique ce que signifie, selon elle, être une artiste ultra.

How to Be An Ultra Artist

Gemma O’Brien

Edan Kwan (né en 1986 à Hong Kong) est un artiste numérique visionnaire et un directeur créatif très demandé dans les secteurs dynamiques du design et de la publicité. Grâce à sa capacité unique à combiner l&#8217;art et la technologie, il est reconnu comme un artiste de pointe et une force créative avec laquelle il faut compter.
Après avoir vécu et travaillé dans des centres créatifs dynamiques tels que Hong Kong, New York et Tokyo, Edan vit aujourd&#8217;hui au Royaume-Uni, où il possède et dirige Lusion, un studio de production numérique plusieurs fois primé et réputé pour créer des expériences numériques immersives et avant-gardistes pour des marques de premier plan.

Edan Kwan

(Expérience immersive en pyjama : Une Histoire fantastique à dormir debout au royaume de la créativité)
À travers le miroir de cet exposé, vous découvrirez comment peindre avec la physique et sculpter avec les mathématiques, en utilisant la créativité comme palette et WebGL comme toile. Vous traverserez les autoroutes en néon de la visualisation de données, escaladerez les sommets chatoyants de la modélisation 3D et plongerez dans les océans iridescents des expériences immersives.

Immersive Experience in Pyjamas : A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Immersive Experience in Pyjamas: A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Nadieh Bremer est une artiste qui, après avoir obtenu un diplôme d&#8217;astronome, a commencé à travailler comme data scientist avant de trouver sa véritable passion dans la visualisation de données.
En tant que &#8220;Meilleure personne&#8221; des Information is Beautiful Awards en 2017, et coautrice de Data Sketches, elle se concentre sur des visuels qui sont conçus de manière unique pour chaque ensemble de données spécifique, en utilisant souvent des ensembles de données vastes et complexes tout en employant des palettes de couleurs vibrantes.
Elle a réalisé des visualisations et des œuvres d&#8217;art pour des entreprises telles que Google News Lab, Sony Music, l&#8217;UNICEF, le New York Times et l&#8217;UNESCO.

Nadieh Bremer

(Visualiser les connexions)
Les connexions font partie de nous, du monde, qu&#8217;il s&#8217;agisse des connexions entre les personnes, entre les cultures, au sein d&#8217;une même langue, et bien plus encore. À l&#8217;heure où l&#8217;on recueille chaque jour plus de données que l&#8217;on ne pourrait jamais espérer explorer, la variété des connexions recueillies ouvre la voie à la visualisation de ces réseaux (souvent complexes).
Au cours de cet exposé, Nadieh vous fera découvrir le processus de conception de plusieurs de ses travaux de visualisation de données (interactives), qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets personnels ou de travaux réalisés pour des clients. Le point commun de tous ces travaux est qu&#8217;ils révèlent tous des liens, mais tous différemment. D&#8217;un arbre généalogique de 3000 personnes liées aux maisons royales européennes, à ceux qui existent entre notre patrimoine culturel immatériel créé pour l&#8217;UNESCO, aux connexions que nous avons dessinées dans le ciel nocturne, à quelque chose avec les chats et les chiens&#8230;
Nadieh nous révélera que tous les types de connexions sont uniques et que les subtilités qu&#8217;elles recèlent nécessitent une approche créative, itérative et personnalisée.

Visualizing Connections

La Bourse - Rops

Felipe Sánchez Luna est un artiste qui se concentre sur la musique, les expériences interactives et les arts numériques. Originaire de Bogotá, en Colombie, il s&#8217;est installé à Berlin, en Allemagne, et a cofondé le studio d&#8217;expériences sonores kling klang klong. Avec une formation en codage créatif et une passion pour la conception sonore, Felipe mélange habilement des éléments issus du cinéma, de la musique, de la danse et des technologies de pointe pour créer une musique générative captivante et des moteurs audio intelligents. Tout en créant des expériences sonores à l&#8217;aide de technologies interactives, Felipe cherche à mieux comprendre le contexte socio-politique qui nous entoure. Sa quête incessante de créativité et d&#8217;avancées technologiques a fait de son équipe une figure de proue dans le paysage en constante évolution de la musique, de la scénographie sonore, du son interactif et de la composition musicale par l&#8217;intelligence artificielle.
kling klang klong est un studio de création qui compose du son et du code pour des expériences sonores. L&#8217;équipe est composée de compositeurs, de concepteurs sonores, de penseurs créatifs, de scientifiques et de technologues qui explorent de nouvelles façons d&#8217;émouvoir les gens grâce à l&#8217;impact du son. Leur travail peut être trouvé internationalement dans des environnements réels et virtuels, des espaces d&#8217;art, des musées ou des événements.

Felipe Sanchez Luna - kling klang klong

(Résonance : Explorer le pouvoir de transformation du son)
Le son et la musique sont des éléments essentiels des expériences immersives, car ils servent de canaux aux émotions et à la compréhension du subconscient. Ce médium magique possède la remarquable capacité de modifier les esprits et même d&#8217;influencer le comportement. Felipe vous invite à jeter un coup d&#8217;œil derrière le rideau créatif du studio berlinois kling klang klong. Depuis près d&#8217;une décennie, ce collectif innovant fusionne harmonieusement la musique, le son, la technologie et la science, créant des expériences auditives extraordinaires qui captivent et inspirent.
Qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets artistiques poétiques ou d&#8217;explorations stimulantes de questions urgentes telles que le changement climatique, kling klang klong a perfectionné l&#8217;art de transformer des concepts complexes en expériences émotionnelles tangibles. À travers leurs œuvres et installations diverses, ils tissent habilement des liens entre des sujets variés, comblant le fossé entre la compréhension intellectuelle et la connexion émotionnelle.

Resonance : Exploring the Transformative Power of Sound

Kling Klang Klong

Maya Indira Ganesh
Maya Indira Ganesh est chercheuse, écrivaine et éducatrice dans le domaine de la technologie et des cultures numériques. Elle codirige un programme de maîtrise sur l&#8217;éthique et la société de l&#8217;IA à l&#8217;université de Cambridge et est chargée de recherche au Leverhulme Centre for the Future of Intelligence (Centre Leverhulme pour l&#8217;avenir de l&#8217;intelligence). Elle a obtenu un doctorat en études culturelles de l&#8217;université de Leuphana, à Lüneburg, en Allemagne, pour un travail qui analysait la formation sociale de l&#8217;éthique et de l'&#8221;autonomie&#8221; dans les voitures sans conducteur.
En 2022, elle a coorganisé AI Anarchies avec Nora N Khan pour l&#8217;Académie allemande des arts/Junge Akademie ; en 2023, Maya est conseillère auprès du Martin Gropius Bau, à Berlin, pour leur première exposition sur l&#8217;IA, Ether&#8217;s Bloom.
Avec Georgina Voss et Maria Yablonina, elle forme le studio expérimental Writing Club.
Georgina Voss
Georgina Voss est artiste, écrivaine et éducatrice. Son travail explore la présence et la politique des technologies à grande échelle, de l&#8217;industrie lourde et des systèmes complexes par le biais de performances, d&#8217;installations multimédias, d&#8217;écrits et de projets de recherche à long terme.
Georgina a présenté son travail dans des institutions telles que transmediale, TAC Eindhoven, Tate, Auto Italia South East, STUK, Brighton Digital Festival, Akademie Schloss Solitude, Vienna Design Biennale et London Design Festival. Elle est l&#8217;autrice de Systems Ultra, à paraître chez Verso en janvier 2024.
Georgina est actuellement maître de conférences en systèmes et déviance au London College of Communication, University of the Arts London. Elle a fondé et codirigé le studio de recherche Strange Telemetry et a obtenu son doctorat en études scientifiques et technologiques à la SPRU de l&#8217;université du Sussex.

Writing Club - Maya Indira Ganesh & Georgina Voss

(Les contours troubles et rugueux de l&#8217;IA)
L&#8217;anthropologue Pamila Gupta déclare : &#8220;Si la colonialité est établie par la terre, le décolonial pourrait-il être suggéré par l&#8217;eau ?&#8221;
Les affects et les temporalités poétiques, queer, mystiques, oniriques et magiques fonctionnent comme un brouillard féministe et décolonial qui masque ostensiblement les arêtes vives de la promotion de l&#8217;IA. Mais nous risquons également de nous perdre dans ce brouillard.
Cette performance-conférence examine la politique culturelle qui consiste à nous frayer une voie en tenant compte de la matérialité de la cohabitation à l&#8217;époque de l&#8217;IA.

The hard watery edges of AI

Maya Indira Ganesh & Georgina Voss – Writing Club

Carl Addy est un directeur créatif exécutif et un réalisateur pluridisciplinaire. Il réalise des travaux visuels révolutionnaires dans les domaines de la conception, des médias numériques et de la technologie VR immersive. Son art de la narration est toujours empreint d&#8217;une affection ludique et d&#8217;un divertissement conceptuel à couper le souffle. Il travaille à la fois en action réelle et en animation, combinant son obsession pour la musique avec sa connaissance des tendances numériques et de la réalisation de films.
Carl a remporté des prix de publicité, de conception et de réalisation. Il est fréquemment invité à s&#8217;exprimer lors de conférences créatives dans le monde entier, telles que SXSW, Cannes Lions, Offf et FITC. Ses sujets de prédilection sont la narration moderne, l&#8217;avenir du contenu, la RV et les défis créatifs.
Carl est directeur créatif exécutif chez Mayda, un collectif créatif issu des mondes de la publicité, de la technologie, du cinéma et du jeu.

Carl Addy

(Un Voyage à Mayda)
Selon les premiers cartographes, Mayda est une île inexistante de l&#8217;Atlantique Nord qui a été représentée sur plusieurs cartes publiées à différents moments de l&#8217;histoire.
En plus d&#8217;être un nom provocateur pour un collectif créatif, Mayda est également une métaphore du travail dans un paysage en constante évolution.
Carl utilisera son propre parcours multidisciplinaire comme étude de cas sur la façon de &#8220;naviguer dans les histoires du futur&#8221;, ou comment travailler avec concentration tout en acceptant la distraction comme catalyseur créatif.

A Journey to Mayda

Vera-Maria Glahn est une facilitatrice créative, une stratège et une cheffe d&#8217;entreprise avec près de 20 ans d&#8217;expérience dans l&#8217;art numérique et le branding.
À une époque où les défis socio-économiques, technologiques et environnementaux sont les plus radicaux, les plus rapides et les plus interdépendants, Vera croit au pouvoir que les concepteurs et les artistes peuvent exercer dans les processus de changement et d&#8217;innovation &#8211; et à la responsabilité des créatifs d&#8217;en faire bon usage.
Après des années de formation dans les arts médiatiques et le design expérimental, Vera a cofondé FIELD.IO, un studio de création indépendant qui explore l&#8217;art numérique, le design génératif et les nouveaux formats de branding.
Vera est une oratrice et une experte chevronnée qui participe à des conférences sur le design dans le monde entier. Elle est également une mentore et une défenseure du leadership féminin et de la diversité des voix dans les industries créatives.

Vera-Maria Glahn

(Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives)
Dans un secteur qui privilégie l&#8217;excellence des résultats et le génie créatif par-dessus tout, parlons-nous suffisamment de la manière dont nous faisons les choses ? Vera-Maria Glahn, responsable des opérations créatives et stratège, et ancienne directrice d&#8217;un studio de création indépendant, pense que ce n&#8217;est pas le cas.
Son projet Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives est un recueil collaboratif de méthodes et de mécanismes destinés aux fondateur.ice.s, aux responsables de la création et aux artistes, sous la forme d&#8217;un glossaire en ligne, qui s&#8217;enrichit en temps réel.
En rassemblant les enseignements et les stratégies d&#8217;un réseau de contributeur.ice.s issu.e.s de nombreux secteurs des industries créatives, ainsi qu&#8217;en appliquant des notes tirées de publications et d&#8217;entretiens à la pratique du design, du numérique, des médias et des arts, le manuel s&#8217;efforce de fournir une inspiration, une sensibilisation et des conseils tangibles sur la manière de &#8220;créer en collaboration&#8221; de manière positive et solidaire, pour une culture du travail plus égalitaire et plus diversifiée.

The Handbook of Non-Toxic Leadership in the Creative Industries

Kirsty Jennings est une productrice multidisciplinaire et une dirigeante stratégique qui a fait ses preuves dans l&#8217;obtention de commandes et de partenariats internationaux, dans la conduite de changements organisationnels et dans la production d&#8217;œuvres primées de grande qualité et d&#8217;une grande ambition artistique. Elle est productrice exécutive pour Anagram, un studio créatif primé spécialisé dans la narration interactive et la conception d&#8217;expériences immersives.
Auparavant, Kirsty a travaillé pendant huit ans en tant que directrice commerciale pour le groupe d&#8217;artistes de renommée internationale Blast Theory. À ce poste, elle a produit des œuvres d&#8217;art sous de multiples formes immersives, notamment Karen (2015), une œuvre d&#8217;art numérique explorant le profilage des données ; des pièces de théâtre immersives à forte charge politique telles que Operation Black Antler (2016) ; des collaborations internationales à grande échelle telles que 2097 : We Made Ourselves Over (2017) et des longs métrages interactifs en direct, dont Bloodyminded (2018).
Kirsty a également travaillé avec Documentary Campus, 104 Films et Sheffield Doc/Fest.

Kirsty Jennings d'Anagram

(Tout ce que vous ressentez est réel)
Mélange d&#8217;expériences tangibles et d&#8217;histoires impossibles pour déterrer de petites vérités. Comment pouvons-nous utiliser les mondes immersifs pour réimaginer le monde et la place que nous y occupons ?
Dans cette conférence, Kirsty discutera du pouvoir des expériences physiques pour façonner la perception dans les espaces virtuels. Elle se concentrera sur l&#8217;expérience VR d&#8217;Anagram, Goliath : Playing with Reality (2021), qui associe la puissance sensorielle du théâtre immersif à la technologie récemment disponible pour inviter de manière ludique le public à pénétrer dans des mondes alternatifs et à comprendre de manière unique notre propre esprit.

Everything you feel is real

Anagram

Kyle McDonald est un artiste du code basé à Los Angeles. Il crée des installations interactives, des interventions furtives, des sites web ludiques, des ateliers et des boîtes à outils pour d&#8217;autres artistes travaillant avec le code. Il explore les possibilités des nouvelles technologies pour comprendre comment elles affectent la société, pour les utiliser à mauvais escient et pour construire des futurs alternatifs ; il cherche à partager un rire, à susciter la curiosité, à créer la confusion et à partager des espaces avec des vibrations magiques. Il travaille sur l&#8217;apprentissage automatique, la vision par ordinateur, les technologies sociales et de surveillance dans des espaces commerciaux et artistiques.
Kyle a également été professeur adjoint à l&#8217;ITP de NYU, membre du F.A.T. Lab, community manager pour openFrameworks, et artiste en résidence au STUDIO for Creative Inquiry à CMU, et au YCAM au Japon. Ses œuvres ont été commandées et exposées dans le monde entier, notamment au V&amp;A, au NTT ICC, à Ars Electronica, à Sonar, à Todays Art et à Eyebeam.

Kyle McDonald

Ces dernières années, la pratique artistique de Kyle s&#8217;est concentrée sur des projets liés à l&#8217;océan et au climat : enquête sur les infrastructures énergétiques et les émissions, travail sur les chants de baleines à bosse et l&#8217;apprentissage automatique, et assistance aux marins polynésiens qui documentent le partage de leurs techniques de voyage traditionnelles.
Cette orientation lui a permis de mieux comprendre sa relation à l&#8217;environnement et aux autres, et a bouleversé son point de vue sur le rôle que la technologie peut jouer dans notre société.

Notes from the Pacific

Anna Ridler est une artiste et une chercheuse qui travaille sur les systèmes de connaissance et sur la façon dont les technologies sont créées afin de mieux comprendre le monde. Elle s&#8217;intéresse particulièrement aux idées de mesure et de quantification, ainsi qu&#8217;à leur rapport avec le monde naturel. Son processus consiste souvent à travailler avec des collections d&#8217;informations ou de données, en particulier des ensembles de données, pour créer des récits nouveaux et inhabituels.
Son travail a été largement exposé dans des institutions culturelles du monde entier, notamment au Barbican Centre, au Centre Pompidou, au HeK Basel, à la Photographers&#8217; Gallery, au ZKM Karlsruhe, à Ars Electronica et au Victoria and Albert Museum.

Anna Ridler

(Les Données synthétiques)
Anna examinera la relation entre les données et l&#8217;intelligence artificielle et la manière dont elles peuvent être utilisées à des fins artistiques, ainsi que la manière dont les développements récents des modèles de texte et d&#8217;image de grande taille pourraient changer cette situation.

Synthetic Data

Étienne Mineur, né en mai 1968, est un designer, éditeur et enseignant français dont le travail se concentre sur la relation entre le design graphique et l&#8217;interactivité. Il est le fondateur des Éditions Volumiques, une maison d&#8217;édition ainsi qu&#8217;un studio d&#8217;invention, de conception et de développement de nouveaux types de jeux, de jouets et de livres consacrés à la relation entre le tangible et le numérique.

Étienne Mineur

(Utiliser des intelligences complémentaires en design)
L&#8217;intelligence artificielle, qui simule l&#8217;intelligence humaine, a fait des progrès considérables grâce au Machine Learning et au Deep Learning. Aujourd&#8217;hui, ces &#8220;intelligences&#8221; surpassent les humains dans de nombreux domaines, bien qu&#8217;elles soient dépourvues de morale et d&#8217;éthique. L&#8217;IA générative, capable de créer des contenus originaux, est en train de révolutionner différents secteurs, dont celui du design. Au cours de cette présentation, Étienne exposera un certain nombre de projets utilisant l&#8217;IA dans le design, et démontrera comment ces IA peuvent aider à développer de nouvelles idées et formes, ainsi qu&#8217;à améliorer le processus créatif.

Using complementary intelligences in design

Delta

Zachary Lieberman est artiste, chercheur et éducateur. Son objectif est simple : il veut vous surprendre. Dans son travail, il crée des performances et des installations qui prennent en compte les gestes humains et les amplifient de différentes manières : il donne vie à des dessins, imagine ce à quoi la voix pourrait ressembler si nous pouvions la voir, transforme les silhouettes des gens en musique.
Il a été cité parmi les personnes les plus créatives de Fast Company et ses projets ont remporté le Golden Nica d&#8217;Ars Electronica, l&#8217;Interactive Design of the Year du Design Museum de Londres, et ont figuré dans la liste des meilleures inventions de l&#8217;année de Time Magazine. Il crée des œuvres d&#8217;art en écrivant des logiciels et est co-créateur d&#8217;openFrameworks, une boîte à outils C++ open source pour le codage créatif. Il a également participé à la co-fondation de la School for Poetic Computation, une école qui étudie les possibilités lyriques du code, et y enseigne. Il est également professeur au Media Lab du MIT, où il dirige le groupe Future Sketches.

Zach Lieberman

(Travailler de manière ouverte)
À l&#8217;aube de ses 40 ans, Zach a décidé de s&#8217;adonner à la pratique du croquis quotidien, en réalisant de petites œuvres d&#8217;art codées qu&#8217;il publie sur les médias sociaux pour saluer le monde. Cette façon de travailler ouvertement a radicalement modifié sa façon de concevoir la création. Dans cette conférence, Zach explorera comment les petites choses peuvent devenir de grandes choses, et ce qu&#8217;il a appris en remodelant sa pratique.

Working openly

Alysha Naples travaille à l&#8217;intersection de l&#8217;art et de la technologie pour créer des expériences qui soutiennent authentiquement le corps, l&#8217;esprit et l&#8217;âme de ceux qui y participent. Elle a passé plus de dix ans à enseigner dans certaines des plus grandes institutions artistiques des États-Unis et a reçu de nombreuses récompenses pour ses solutions innovantes, notamment un DA&amp;D Silver Award, un Webby Award pour le meilleur site web de services et une distinction en tant que Gold Instructor de Graphis New Talent.
Plus récemment, Alysha était Chief Experience Officer pour Tin Drum, un collectif de contenu créant des expériences de réalité mixte transcendantes. Son travail a été exposé à la Serpentine Gallery de Londres, au Victoria &amp; Albert (V&amp;A) Museum de Londres, à Pioneer Works et The Shed à New York, ainsi qu&#8217;au Manchester International Film Festival. Alysha a également été jurée pour la section VR de la Biennale de Venise en 2019. Elle vit et travaille à Amsterdam, aux Pays-Bas.

Alysha Naples

(Émettre, Transporter, Transcender)
Transportez-vous dans un endroit heureux. Un endroit où vous aimez retourner. Un endroit où vous vous sentez connecté, calme et protégé. Un endroit où vous vous sentez en sécurité pour explorer et où vous avez envie de vous engager. Où se trouve cet endroit ? Quelles sont ses caractéristiques ? Quelle est l&#8217;importance de la technologie dans cette scène ?
Une grande partie de l&#8217;expérience actuelle de la technologie est spécifiquement conçue pour voler votre attention, détourner votre temps et transférer votre présence du monde réel.
Alysha a passé la majeure partie de la dernière décennie à concevoir des expériences holistiques et immersives en réalité augmentée qui mettent l&#8217;accent sur la contemplation et la présence. Ce travail l&#8217;a amenée à collaborer avec divers artistes, notamment des acteur.ice.s, des artistes, des danseur.euse.s et des musicien.ne.s qui souhaitaient tou.te.s entrer en contact avec leur public. Explorons comment nous pouvons utiliser la technologie pour créer des expériences transcendantes.

Transceive, Transport, Transcend

OMSE est un studio créatif qui conçoit des marques simples et percutantes.
Depuis 2016, ils travaillent avec des noms connus et de futurs visionnaires pour les aider à avoir un impact sur le monde qui les entoure et à construire leur héritage. Avec une éthique basée sur la formation de partenariats créatifs étroits, ils ont été en mesure de collaborer avec un nombre incroyable d&#8217;artistes et de s&#8217;associer à des clients allant de la plus grande chaîne de sushis du Royaume-Uni à une boîte de nuit qui abritait autrefois la plus grande usine d&#8217;impression d&#8217;Europe occidentale, en passant par le premier gin de Chine, et bien d&#8217;autres encore.

OMSE  (James Kape & Pedro Messias)

(Les Pattes de canard)
Cette conférence vous emmènera sous la surface. OMSE plongera dans les coulisses du studio et partagera les histoires qui se cachent derrière les projets que vous avez vus partout dans le monde.

The Ducks Legs

OMSE

Valentina Peri est une commissaire d&#8217;exposition indépendante, une artiste et une autrice basée à Paris.
Son travail porte sur le rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement sur l&#8217;amour et l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique, l&#8217;histoire des médias et les technologies de l&#8217;anthropocène. Elle a organisé des expositions, publié des écrits et donné des conférences sur un large éventail de sujets dans ces domaines.
Son exposition itinérante Data Dating, sur l&#8217;amour à l&#8217;ère d&#8217;Internet, a été présentée à Paris, Tel Aviv, Londres, Bruxelles, Genève et Brescia. Dans le cadre de cette exposition, elle a coédité un recueil d&#8217;essais publié par Intellect : Data Dating. Amour, technologie, désir (2021).
En 2022, elle a commencé à faire des recherches sur le phénomène des escroqueries à la romance sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest et a publié le livre The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, une collection de messages originaux d&#8217;escrocs à l&#8217;amour ghanéens. Elle travaille actuellement sur un nouveau livre basé sur ses recherches en Côte d&#8217;Ivoire sur les &#8220;brouteurs&#8221;, ou fraudeurs de l&#8217;amour.
Elle a reçu une bourse Fluxus Art Projects Grant en 2022 pour sa recherche curatoriale sur l&#8217;histoire des rencontres : The Museum of Dating, présentée à Londres en 2023. À cette occasion, elle écrit et réalise le film Joan Ball. The Lady of Computer Dating.
Depuis 2021, elle collabore en tant que commissaire d&#8217;exposition avec peer-to-space, une plateforme d&#8217;exposition indépendante basée à Berlin. De 2011 à 21, Valentina a été directrice associée et commissaire d&#8217;exposition à la Galerie Charlot Paris &#8211; Tel Aviv, une galerie d&#8217;art contemporain axée sur les nouveaux médias. Valentina Peri est également cofondatrice de SALOON Paris, un réseau international et diversifié de femmes identifiant les professionnelles de l&#8217;art, qui fait partie du réseau SALOON.

Valentina Peri

La conférence Love, Lies and Romance Scam (Amour, mensonges et arnaque sentimentale) se penche sur le monde intrigant des rencontres en ligne et sur le domaine des escroqueries à la romance. Valentina Peri, commissaire indépendante, artiste et auteur, nous guidera dans une exploration de l&#8217;amour, de l&#8217;intimité et de la tromperie à l&#8217;ère numérique.
Valentina Peri a consacré sa carrière à l&#8217;examen du rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement à l&#8217;amour et à l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique. Son exposition itinérante, Data Dating, qui suscite la réflexion, montre l&#8217;impact profond de la technologie sur les relations amoureuses. En remettant en question nos perceptions de l&#8217;amour, du désir et de la connexion à l&#8217;ère des rencontres en ligne et des interactions virtuelles, Valentina offre un nouvel éclairage sur la dynamique complexe de la romance moderne.
En 2022, Valentina s&#8217;est lancée dans un projet de recherche novateur centré sur le phénomène des escroqueries amoureuses sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest. Ces escroqueries, également connues sous le nom d&#8217;escroqueries aux rencontres en ligne, consistent à faire croire à des personnes qu&#8217;elles entretiennent une relation amoureuse avec quelqu&#8217;un qu&#8217;elles ont rencontré en ligne. En réalité, leur prétendu partenaire est un escroc qui utilise une fausse identité pour gagner leur confiance et finalement leur demander de l&#8217;argent.
Les découvertes et les expériences directes de Valentina au Ghana sont relatées dans son livre, The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, publié en 2022. Cette publication perspicace présente une collection de messages originaux d&#8217;escrocs ghanéens, mettant en lumière leurs pratiques trompeuses. Valentina se concentre principalement sur l&#8217;exploration du langage amoureux contemporain à l&#8217;aide d&#8217;outils numériques, et sur la création d&#8217;un pont avec la tradition des manuels de rédaction de lettres d&#8217;amour des 18e et 19e siècles. Ces manuels, connus sous le nom de The Lover&#8217;s Instructor au Royaume-Uni, Secrétarie Galant en France et Segretario Galante en Italie, donnaient des conseils sur la rédaction de lettres d&#8217;amour, en fournissant des exemples, des modèles et des astuces pour les amoureux manquant de prouesses linguistiques ou d&#8217;imagination.
Poursuivant ses recherches en 2023, Valentina s&#8217;est aventurée en Côte d&#8217;Ivoire, un pays francophone, où elle a recueilli des textes romantiques utilisés par les &#8220;brouteurs&#8221; (escrocs en français ivoirien) de la capitale Abidjan et a mené des entretiens avec un groupe de ces fraudeurs de l&#8217;amour. Elle travaille actuellement à la rédaction d&#8217;un nouveau livre, fruit des résultats obtenus au cours de ce travail de terrain.
L&#8217;expertise de Valentina Peri et ses recherches de première main apporteront un éclairage unique sur les domaines fascinants de la complexité de l&#8217;amour, de la tromperie et du paysage numérique dans le contexte des rencontres en ligne.

Love, Lies and Romance Scam

Špela Petrič est une artiste slovène des nouveaux médias avec une formation en sciences naturelles. Sa pratique artistique combine les pratiques biomédiatiques et la performativité, pour mettre en scène d&#8217;étranges relations entre les corps qui révèlent les fondements de nos sociétés (bio)technologiques et pour proposer des alternatives.
Špela expose au niveau international et a reçu plusieurs prix, tels que le White Aphroid (Slovénie), le Bioart and Design Award (Pays-Bas) et un prix de distinction au Prix Ars Electronica (Autriche).

Špela Petrič

(L&#8217;IA comme infrastructure, l&#8217;automatisation comme soin)
Comment l&#8217;automatisation avancée est-elle mise en œuvre dans deux domaines apparemment disparates &#8211; l&#8217;agriculture et les soins de santé &#8211; qui partagent pourtant un élan commun, celui de prendre soin des corps ?
Špela partage des stratégies d&#8217;accès et de production de connaissances communes pour mieux comprendre les dessous cachés de nos sociétés, qui ne sont pas moins politiques que ce que l&#8217;on voit sur nos écrans.

AI as Infrastructure, Automation as Care

Martial Geoffre-Rouland est diplômé de l&#8217;école supérieure de design et d&#8217;ingénierie Elisava de Barcelone. Ses travaux sont axés sur l&#8217;art numérique et les installations interactives.
Il a collaboré avec un grand nombre d&#8217;artistes, de studios indépendants et d&#8217;entreprises internationales dans des domaines tels que le développement web, l&#8217;art numérique et la scénographie.
Son studio solo est spécialisé dans le conseil, la conception, la production et l&#8217;élaboration de projets couvrant un large éventail de sujets, notamment l&#8217;apprentissage automatique, les expériences web UI/UX, l&#8217;éclairage de scène, la visualisation de données, l&#8217;interaction homme-machine, la vision par ordinateur, la réalité augmentée et la conception graphique.
Il est également artiste en résidence au Google Arts &amp; Culture Lab.

Martial Geoffre-Rouland

(Conception, ingénierie et art : un cycle de synergie créative et technique)
Cette session du studio de design Screen-Club explore le parcours de co-création entre les artistes et les technologues.
En mettant l&#8217;accent sur les collaborations artistiques, l&#8217;exposé examine à la fois la vision créative et l&#8217;expertise technique qui contribuent à ces projets. En présentant des œuvres sélectionnées, la discussion vise à mettre en lumière les processus de collaboration et le savoir-faire qui donnent vie à ces œuvres d&#8217;art numériques.

Design, Engineering & Art : A Cycle of Creative and Technical Synergy

Simone Rebaudengo est cofondateur et directeur créatif d&#8217;oio, une société créative qui cherche à transformer les technologies émergentes en une réalité accessible, quotidienne et durable pour les humains et les générations futures.
Il a précédemment conçu des scénarios et des produits d&#8217;avenir pour le Musée du futur de Dubaï, exposé des objets du futur dans de grands musées du monde entier avec son collectif automato.farm et a été concepteur principal pour les visions du futur chez BMW Designworks et frog. Il a collaboré avec Usman Haque et Pachube dans l&#8217;exploration des relations entre l&#8217;homme et la machine dans les premières phases de l&#8217;internet des objets.
Ses travaux explorent les implications de la vie et de la collaboration avec d&#8217;autres intelligences, pas si humaines. Il a co-conçu, avec une IA, une série spéciale de produits pour Iittala, publié un livre de fables sur des avenirs qui dépassent l&#8217;humanité, créé, avec Bruce Sterling, des installations immersives sur le fait d&#8217;être un appareil, ainsi qu&#8217;un court-métrage qui a remporté le prix &#8220;Most Uncanny&#8221; au Robot Film Festival.
Simone est membre du corps enseignant du Master en design pour une IA responsable à ELISAVA à Barcelone, et aussi conférencier invité à l&#8217;Institut de design d&#8217;interaction de Copenhague (CIID). Ses projets ont été récompensés par le Red Dot Design Award, Core77, IXDA Awards et exposés dans des galeries et des musées tels que le Vitra Design Museum, le Triennial Museum de Milan et le MAK de Vienne.

Simone Rebaudengo

(L&#8217;intelligence en tant que matériau)
Dans cet exposé, Simone ne vous expliquera pas comment vous simplifier la vie en utilisant l&#8217;IA, mais plutôt le contraire.
En se basant sur le travail et la recherche de ces dernières années avec oio, il partagera la façon dont lui et son équipe ont expérimenté l&#8217;intelligence artificielle, non seulement comme un outil pour simplifier et rationaliser les processus, mais aussi comme un point de départ pour concevoir des produits inimaginables.

Intelligence as a material

Antoine Bertin est un artiste européen qui travaille à l&#8217;intersection de la science et de l&#8217;immersion sensorielle, de l&#8217;enregistrement sur le terrain et de la narration sonore, des données et de la composition musicale. Ses créations prennent la forme d&#8217;expériences d&#8217;écoute, de moments immersifs et de méditations audio qui explorent nos relations avec le monde vivant.
Le Studio Antoine Bertin est un studio d&#8217;écoute qui conçoit des installations interactives, des performances musicales en direct, des séries de podcasts, des réalités mixtes et des événements sonores immersifs. Le Studio Antoine Bertin est basé à Paris et sur l&#8217;île d&#8217;Alicudi, et travaille à l&#8217;international.

Antoine Bertin

(L&#8217;Écoute biomimétique)
Musique et biodiversité, science et rituels, machines et conversations inter-espèces : concevoir des expériences d&#8217;écoute qui transforment notre relation avec le monde vivant.

Biomimetic Listening

Marcel Ziul, fondateur et directeur exécutif de la création de STATE, a une riche histoire professionnelle qui s&#8217;étend sur plusieurs pays, notamment les États-Unis et le Brésil. Ses diverses expériences culturelles ont façonné son approche innovante de la direction créative, ce qui lui permet d&#8217;apporter une perspective globale à son studio.
Chez STATE, Marcel a collaboré avec des marques de premier plan telles que Apple, Facebook, Nike, Google, FX, NFL, Under Armour, ESPN, Electronic Arts, Amazon, UFC, et bien d&#8217;autres encore.
Depuis la création de STATE en 2014, Ziul et son équipe talentueuse ont été largement acclamés et ont reçu de nombreuses récompenses de l&#8217;industrie, notamment des Clios, des Promax BDA&#8217;s, des MTV VMA&#8217;s et des Emmy Awards.

Marcel Ziul de State

(Nu &#8211; La beauté du sentiment d&#8217;inconfort)
Dans un discours charismatique, Marcel Ziul emmène le public dans un voyage sincère à travers les différents états mentaux que nous rencontrons dans nos carrières. 
L&#8217;honnêteté sans fard de Marcel aborde des questions concrètes sur ce que nous sommes en tant qu&#8217;êtres humains et en tant qu&#8217;artistes, ainsi que sur la manière dont nous pouvons relever les défis, qu&#8217;il s&#8217;agisse de clients exigeants ou de besoins bureautiques insignifiants, de traumatismes précoces ou de notre meilleur &#8220;moi&#8221;.

Naked - The beauty of feeling uncomfortable

State

Chris Salter est professeur d&#8217;arts immersifs et directeur de l&#8217;Immersive Arts Space à l&#8217;Université des arts de Zurich (ZHdK). Il est également professeur émérite en design et en arts informatiques à l&#8217;université Concordia de Montréal, ancien codirecteur du réseau Hexagram pour la recherche-création en arts, cultures et technologies et cofondateur de l&#8217;institut Milieux à Concordia. Il a étudié la philosophie et l&#8217;économie et a obtenu un doctorat en études théâtrales avec recherche en musique assistée par ordinateur à l&#8217;Université de Stanford.
Son travail artistique a été présenté dans le monde entier, notamment à la Biennale d&#8217;architecture de Venise, au Barbican Centre, au Berliner Festspiele, au Wiener Festwochen, au ZKM, au Kunstfest Weimar, au Musée d&#8217;art contemporain, à la Muffathalle, à MUTEK, au festival EXIT et à la Place des Arts de Montréal, parmi bien d&#8217;autres. Il est l&#8217;auteur de Entangled : Technology and the Transformation of Performance (2010), Alien Agency : Experimental Encounters with Art in the Making (2015) et Sensing Machines (2022), tous publiés par MIT Press.

Chris Salter

(L&#8217;art, la science et la politique de l&#8217;immersion)
En 1968, la conservatrice d&#8217;origine polonaise Jascia Reichardt a inauguré à l&#8217;ICA de Londres une exposition historique intitulée Cybernetic Serendipty, dans laquelle toutes sortes de dispositifs, d&#8217;objets et de sculptures équipés de capteurs étaient prêts à faire entrer l&#8217;art dans une nouvelle ère technologique. Il est remarquable qu&#8217;au cours des 54 années qui se sont écoulées depuis l&#8217;exposition de Reichardt, le nombre de capteurs, d&#8217;algorithmes et de dispositifs toujours plus complexes n&#8217;a cessé d&#8217;augmenter, mais l&#8217;objectif est resté essentiellement le même : utiliser des capteurs artificiels comme partie intégrante d&#8217;une œuvre d&#8217;art afin que celle-ci puisse &#8220;donner un sens&#8221; à son &#8220;monde&#8221; et y répondre. Cependant, nos sens humains sont nécessaires pour conduire et alimenter des expériences immersives toujours nouvelles en étant de plus en plus &#8220;couplés&#8221; ou liés à un monde simulé, généré par des machines.
Cet exposé se penchera sur les environnements immersifs de TeamLab installés dans les décharges de Tokyo, sur les visions des artistes des années 1960 visant à créer de nouveaux types d'&#8221;environnements réactifs&#8221; et sur l&#8217;ère &#8220;métaverse&#8221; de la réalité étendue qui vient d&#8217;émerger, afin de brosser un tableau historique et sociotechnique critique de nos visions actuelles et futures de l&#8217;art à l&#8217;ère de l&#8217;immersion.

The art, science and politics of immersion

Marek Tuszynski, directeur exécutif et cofondateur de Tactical Tech (2003), est un cinéaste, producteur, conservateur, enseignant et provocateur dont les interventions créatives couvrent les médias, du cinéma et de la radio à la télévision, en passant par les livres, les expositions, les espaces publics et, bien sûr, le web. Depuis 30 ans, il travaille à l&#8217;intersection de la technologie et de la politique, de l&#8217;information et de l&#8217;activisme, et des conséquences de la vie dans une société quantifiée.
Avant Tactical Tech, il a cofondé des organisations dédiées à la création d&#8217;une économie circulaire de l&#8217;électronique, à la documentation de l&#8217;art contemporain dans les pays post-communistes et à la réponse technologique rapide en cas de crise.
Au sein de Tactical Tech, il a cofondé les Tactical Studios, coorganisé les expositions Nervous Systems : Quantified Life and the Social Question (2016), The Glass Room (2016 &#8211; en cours), et Everything Will Be Fine (2022), et est coauteur des livres Visualising Information for Advocacy et Efficiency And Madness. Marek donne des conférences dans des universités du monde entier, notamment au Maryland Institute College of Art, au département de design du Politecnico di Milano, au Royal Institute of Art de Stockholm, à la New York University de Berlin et à la North Eastern University de Boston.

Marek Tuszynski - Tactical Tech

(Et alors ?)
Les histoires que nous avons besoin d&#8217;entendre n&#8217;ont pas de protagoniste facilement identifiable, une personne ou un groupe de personnes qui peuvent projeter leurs émotions, leurs histoires et expériences uniques, et nous aider à nous identifier aux problèmes et aux luttes qu&#8217;ils ont rencontrés dans le passé ou qu&#8217;ils rencontreront dans un avenir proche. Les histoires que nous devons raconter concernent les données, les algorithmes, les puces de silicium et une foule d&#8217;entreprises sans visage, de protocoles opaques, de techno-fantasmes démesurés et de politiques léthargiques.
Est-il possible de raconter des histoires convaincantes qui créent quelque chose de plus positif que quelques démangeaisons mentales et un inconfort à court terme ?

And so what ?

Tactical Tech

Martin van der Molen et Silas Nout, du Studio Mals, créent des images et des films de haute qualité qui attirent l&#8217;attention. Leur travail est très tangible, de préférence fait à la main, et a une aspect ludique.
Il s&#8217;agit d&#8217;une équipe d&#8217;artisans méticuleux qui chérissent les détails. Leur esthétique distinctive se traduit par des créations artisanales intelligentes, ludiques et ridiculement sexy !

Studio Mals

(Malin, Coloré, Ludique)
Le Studio Mals crée des photos, des vidéos et des animations en stop-motion d&#8217;une netteté ridicule. Leur travail n&#8217;est qu&#8217;espièglerie, et il est entièrement fait à la main. Ici, pas d&#8217;images générées par ordinateur.
Attendez-vous à assister à une explosion d&#8217;esthétique colorée et détaillée, qui se traduit par des créations artisanales incroyablement sexy pour des clients de grandes marques.
Préparez-vous à plonger dans les coulisses de cette magie artisanale, tout en apprenant deux-trois choses sur la gestion d&#8217;une entreprise créative. Ces gars-là savent comment transformer le travail en jeu !

Clever, Colorful, Playful

Notre programme d'événements s'enrichit régulièrement !

Namur

Plus de conférenciers à venir

Conférences

Plus de 35 conférences inspirantes sur l'intelligence artificielle, le branding, la stratégie, la VR/AR, le creative coding, la data viz, le gaming/VFX, le design, la recherche et bien plus encore.
Avec le soutien de Digital Wallonia.

Pour cette soirée d’ouverture, nous mettons le projet AfriKIKK à l’honneur en invitant la DJ bruxelloise Rokia Bamba à nous concocter une soirée 100% Afrique. Rokia a invité des artistes venant tout droit de Dakar qui vont vous faire vibrer aux rythmes de leurs univers musicaux.
AfriKIKK est un projet de promotion des arts des nouveaux médias et d&#8217;exploration des cultures numériques soutenu par Wallonie Bruxelles International, la Délégation Wallonie Bruxelles au Sénégal, la Région wallonne et le programme Africalia. Ce programme est le fruit d&#8217;un partenariat entre le KIKK et une série de partenaires et de curateur.trice.s du continent africain et de sa diaspora. La mission principale de ce partenariat est de montrer l&#8217;importance de l&#8217;Afrique à l&#8217;ère numérique, notamment en tant que vecteur d&#8217;imaginaire culturel, de traditions sociales et orales et de patrimoine immatériel, en présentant les points de vue d&#8217;un ensemble d&#8217;artistes et d&#8217;experts issus du continent africain ou de la diaspora.
21h-00:30 : Abdou Of &amp; SAHAD (SN)
00:30-02:00h : Rokia Bamba (BE)

AfriKIKK Party

Abdou Of (SN)
Auteur-compositeur et guitariste, Abdou Of propose une folk hybride teintée d’influences traditionnelles, chantée en wolof et en français. Inspiré par Jimmy Hendrix, Dire Straits et Peter Von Poehl, il a d&#8217;abord le groupe « Waliane » en 1995, avant de poursuivre en solo et d&#8217;enchaîner les concerts, les collaborations et les enregistrements en studio.
Il a performé au Festival mondial des Arts Nègres, au Festival Contes et Musique, au Centre Culturel Français de Dakar et de Saint-Louis, ainsi que dans divers centres culturels et festivals locaux. En 2022, il a remporté le premier prix du concours Unplugged Session au Stereo Africa Festival de Dakar.
Son prochain album Buul ma juger (Ne me juge pas) sortira en 2024.
SAHAD (SN)
Le prénom Sahad fait référence à la &#8220;récolte&#8221; en sérère et à la &#8220;résurrection&#8221; en wolof. Sahad se décrit comme un taxi de brousse qui parcourt le monde à la recherche des richesses qui naissent de nos différences pour les partager.
De l&#8217;afro au jazz, du blues au folk et au funk, il s&#8217;appoprie toutes les influences africaines et cosmiques pour créer une musique kaléidoscopique. Son dernier album, Luuma, joue la carte de l&#8217;hybride, passant de morceaux purement acoustiques aux rythmes psychédéliques, mêlant une sensibilité profonde à une éblouissante explosion d&#8217;énergie.
Sahad a fait partie de plusieurs sélections officielles lors d&#8217;événements internationaux (à Nairobi, Austin, Rabat). Il a remporté le Prix du Tanit d&#8217;or aux Journées Musicales de Carthage (2016), a été finaliste du MIDEM (2016, France) et lauréat de l'&#8221;Afro Pépites show&#8221; Le Rêve africain ( 2016, France).
Avec son équipe, Sahad a créé le label indépendant « Stereo Africa 432 » afin de produire et accompagner des artistes locaux de la scène alternative et de promouvoir leur talent sur la scène internationale. Il est aussi fondateur et initiateur de l’éco-village de Kamyaak, au Sénégal.
Rokia Bamba (BE)
(D&#8217;après Marie Darah, Femme Flamboyante)
&#8220;Quand elle décide de te faire suer, Rokia, tu peux pas déroger.
Rokia, elle ne te fait pas que danser, elle t&#8217;écume et t&#8217;envoute, c&#8217;est une charmeuse de gens, elle trouve systématiquement la façon de te faire onduler.
Et si tu veux remettre ta veste, n&#8217;essaie pas trop, elle va te la retirer.
Rokia, c&#8217;est l&#8217;éclectisme de l&#8217;envie de te mettre bien. Elle a cette notion des choses en bulles de mots, en bloc séparé qui s&#8217;enfile et dedans elle entend la musique qui va te faire bouger. Rokia elle sait. Et quand tu lui dis que t&#8217;as tellement sué que t&#8217;en peux plus, elle va te répondre : &#8220;Ben WÉ !&#8221;
Rokia Bamba, c&#8217;est la paix aussi, la douceur retrouvée qui avait oublié de se voir dans toute sa splendeur de femme généreuse et guérisseuse. Rokia femme DJ qui scrute les sourires sur la piste et les énergies, Rokia femme émancipée qui en a mis du temps à se sublimer en qui elle était vraiment, Rokia radio campus, Rokia journaliste, Rokia hôte de podcast, Rokia de Paris à Dakar dans la tribune du monde, Rokia Bamba, La Flamboyante. Elle commence à se rendre compte qu&#8217;on peut aimer faire du bien aux gens et prendre la société en réparation, corps après corps, âme après âme, humaine après humain, prendre soin de créer un cercle prolifique au bien être Collectif. Et ça, Rokia, c&#8217;est un truc dont on ne peut pas douter quand on la voit avec sa souriance pleine de dents et ses 75 milles lunettes stylées. Quand elle te parle de ses enfants, ou quand elle te parle de sa maman ou simplement de son métier, de ses envies d&#8217;apprendre à Faire, Rokia c&#8217;est un chamboulement solaire, c&#8217;est une aura de retrouvailles, elle t&#8217;offre ce sentiment d&#8217;être en famille même si t&#8217;en as pas. Et il est précieux ce cadeau là, d&#8217;être comme à la maison. À l&#8217;odeur d&#8217;une Pierre rassurante, tu peux sentir dans son être entier que Rokia, c&#8217;est une femme qui berce autant qu&#8217;elle flamboie. Et si le monde est condamné à exploser, alors c&#8217;est sur ces sons qu&#8217;on dansera pour ne pas oublier de se retrouver en étincelles, en flammes, flamboyant·es à ses côtés, au bout de ses doigts.&#8221;

Line up

La Flamboyante curated by Rokia Bamba

La Nef

Soirée d’ouverture KIKK – AfriKIKK

Cette année, l’affiche de l&#8217;after party du KIKK Festival se compose de 3 DJ’s ayant mis le feu lors des deux dernières éditions du Horst Festival : DTM Funk, Donia et Slomo Sean.

Bougez sur le dancefloor avec DTM Funk, Donia et Slomo Sean

DTM Funk
Depuis plus de 10 ans, l’Anversois DTM Funk est à l’avant plan de la scène musicale belge. Résident du Horst Festival et du C12, patron du label San-Kofa Rhythm, il combine une grande connaissance des talents locaux et une vision mondiale de la musique et se tient fermement au-dessus des tendances et modes éphémères. Ce qui fait la particularité de ses sets ? Il se concentre sur la soul, le groove et le rythme. En se focalisant sur ces 3 éléments pour en faire un fil rouge, il évite d’être lié à un genre plutôt qu’à un autre, passant de morceaux percussifs à des rares joyaux soul et house, et il réussi à créer une vraie atmosphère propice à faire bouger n’importe quel dancefloor.
DTM Funk on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QDe9phsNtv8">Youtube</a> <a href="https://soundcloud.com/dtmfunk">Soundcloud</a> <a href="https://www.instagram.com/dtmfunk/">Instagram</a> <a href="https://www.facebook.com/dtm.funk">Facebook</a>
Donia b2b Slomo Sean
Donia, la dealeuse de dopamine, et Slomo Sean, le DJ tout terrain, s’associent pour la première fois lors de cette soirée pour un set de 2h30. Les deux pensionnaires de Kiosk Radio sont des spécialistes lorsqu’il s’agit de dénicher et enchainer des merveilles musicales qui balayent le spectre extra large des musiques électroniques.
Donia on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=kjq-cfDBUfQ&amp;t=2504s">Youtube</a> <a href="https://www.instagram.com/doniacobra/">Instagram</a> <a href="https://soundcloud.com/kemla10-50">Soundcloud</a>
Slomo Sean on <a href="https://www.youtube.com/watch?v=nFwaVdbajsg&amp;t=2639s">Youtube</a> <a href="https://www.mixcloud.com/slomosean/">Mixcloud</a> <a href="https://soundcloud.com/slomosean">Soundcloud</a> <a href="https://www.mixcloud.com/slomosean/">Instagram</a>

Bougez sur le dancefloor avec DTM Funk, Donia et Slomo Sean !

KIKK After Party

Soirées et Performances

Parce que le KIKK, c'est aussi (et peut-être surtout) une ambiance de fête, nous vous invitons à plusieurs performances et soirées. Au menu : musique live, performances audiovisuelles, DJ sets et paillettes !

Soirées & Performances

Jan van IJken est cinéaste et photographe à Leiden, aux Pays-Bas, et travaille à l&#8217;interface de l&#8217;art et de la science.
Dans ses dernières œuvres, il révèle des secrets de la nature tels que les murmurations d&#8217;étourneaux, la genèse de la vie et le monde invisible du plancton microscopique. Il s&#8217;intéresse à la microscopie, à la nature, à la biologie, à l&#8217;évolution et à l&#8217;embryologie.

Jan van Ijken

Planktonium est un court métrage sur le monde invisible du plancton microscopique vivant. Il s&#8217;agit d&#8217;un voyage dans un univers secret, peuplé de créatures extraterrestres. Ces organismes d&#8217;une beauté stupéfiante, très diversifiés et nombreux, sont inconnus de la plupart d&#8217;entre nous parce qu&#8217;ils sont invisibles à l&#8217;œil nu. Pourtant, ils se promènent sous la surface de toutes les eaux qui nous entourent et sont d&#8217;une importance vitale pour toute vie sur terre.
Jan van Ijken a filmé le plancton à l&#8217;aide de ses microscopes, révélant la beauté et les structures délicates de ces organismes minuscules dans les moindres détails. Le film ne comporte pas de voix off ni d&#8217;explications.
La célèbre artiste norvégienne Jana Winderen a réalisé une composition sonore pour le film. Elle enregistre des environnements sonores et des créatures difficiles d&#8217;accès pour l&#8217;homme, tant physiquement qu&#8217;auditivement &#8211; dans les profondeurs de l&#8217;eau, à l&#8217;intérieur de la glace ou dans des gammes de fréquences inaudibles pour l&#8217;oreille humaine.

Planktonium

Le caractère immatériel et intangible de la lumière, de la couleur et du mouvement constitue le point de départ des installations spatiales de Nicky Assmann, dans lesquelles elle s&#8217;efforce d&#8217;accroître notre perception. Avec une formation en cinéma et en sciences de l&#8217;art, elle combine des connaissances artistiques, scientifiques et cinématographiques dans des expériences qui utilisent des processus physiques et chimiques, tels que la turbulence et la dynamique des fluides. Des sujets qui servent de métaphore à l&#8217;époque turbulente et fluide dans laquelle nous vivons.
En mettant en œuvre des phénomènes naturels et optiques, elle crée des compositions visuelles pour une expérience sensorielle et des macro-univers souvent éphémères.
Son travail prend la forme d&#8217;installations lumineuses cinétiques, d&#8217;installations vidéo et de performances et s&#8217;inscrit dans un contexte de cinéma élargi, de musique visuelle et du concept de synesthésie.

Nicky Assmann

Solaris est un appareil composé de plusieurs films de savon qui peuvent être soulevés manuellement. Il s&#8217;agit d&#8217;une machine qui explore le processus mental et l&#8217;activité physique de la vision et crée des films de savon en tant qu&#8217;intervention spatiale.
Solaris montre 6 écrans placés les uns derrière les autres pour faire pleinement l&#8217;expérience des jeux de lumière et de reflets qui se produisent entre les différents cadres des films de savon. Grâce à un éclairage précis, le mouvement interne du film de savon est révélé, montrant une chorégraphie turbulente de couleurs irisées et de mouvements fluides. Alors que la gravité s&#8217;empare lentement de la membrane, le spectateur peut être fasciné par le phénomène, jusqu&#8217;à ce qu&#8217;inévitablement le fragile film éclate.
Solaris s&#8217;inscrit dans un contexte de musique visuelle, de cinéma étendu, de synesthésie et de ce que Nicky Assmann appelle les hypercouleurs, qui caractérisent son travail et sont mises en évidence dans cette œuvre par l&#8217;utilisation de la lumière. En créant ses propres écrans faits de fines pellicules de savon et en utilisant la lumière de manière spécifique, elle joue avec les différents éléments de l&#8217;appareil cinématographique dans la lignée du cinéma élargi.
Le langage visuel analogique qui apparaît dans Solaris fait référence au cinéma abstrait et expérimental.

Solaris

La pratique de Carlos Sfeir s&#8217;inspire de son intérêt pour la magie, la science, le territoire et les cultures. Il s&#8217;efforce de créer de nouvelles passerelles entre la perception humaine et les phénomènes naturels. Pour lui, l&#8217;art est un outil qui permet de remettre en question nos certitudes, de découvrir de nouvelles significations de la nature et de décoloniser les idées préconçues vieillissantes.
Le travail de Sfeir va de la sculpture à la peinture en passant par les installations. Il est marqué par un dialogue permanent entre la mémoire et l&#8217;expérimentation. Les données, les objets et les phénomènes observés lors des recherches sur le terrain, qui constituent la base de toutes ses œuvres, sont constamment recréés, entrelacés et remis en question lors des manipulations ultérieures en studio.
Les œuvres de Carlos Sfeir ne sont pas limitées par le besoin d&#8217;exhaustivité qui motive souvent l&#8217;acte de l&#8217;artiste, mais sont plutôt des prototypes interactifs. Sans finalité, mais vivantes et imparfaites, elles invitent les gens à être les complices de processus aux résultats incertains, à embrasser l&#8217;inattendu au lieu de le craindre.

Carlos Sfeir Vottero

(La Vie d&#8217;acier)
Steel Life vise à explorer comment les défis de l&#8217;industrie sidérurgique peuvent être transformés en un nouveau récit qui aborde la crise planétaire actuelle. La convergence du fer et du carbone, qui a propulsé l&#8217;industrialisation humaine, a également accéléré notre détachement du monde naturel, entraînant notre assujettissement de l&#8217;environnement et de ses ressources. Trop souvent, nous avons considéré la &#8220;nature&#8221; comme une marchandise à exploiter, l&#8217;acier servant d&#8217;outil puissant dans ce processus.
Le projet vise à découvrir les possibilités imaginatives à l&#8217;intersection de la science et de l&#8217;art, en démontrant comment les minéraux peuvent être incités à s&#8217;épanouir. En reproduisant les méthodes électrochimiques employées dans le raffinage des pierres, le projet donne naissance à une nouvelle forme de fer qui s&#8217;épanouit en d&#8217;éblouissantes structures cristallines. Cette métamorphose symbolise notre capacité à générer une croissance et une esthétique imprévues, nous incitant à réimaginer notre relation avec le monde dans lequel nous vivons.

Steel Life

Diane Mahín est une réalisatrice de performances et une sociologue néerlando-iranienne. Elle crée des mondes performatifs dans lesquels le son et l&#8217;image sont les forces motrices. Travailler avec le son reflète son désir d&#8217;être confrontée à des formes de réalité hautement subjectives, conflictuelles et immersives. Diane scrute le corps humain en tant qu&#8217;objet matériel afin de disséquer les constructions sociales, dont elle souhaite saisir l&#8217;absurdité et l&#8217;humour. La mort et le néant constituent les motifs sous-jacents de son travail.
Après avoir étudié à Goldsmiths, University of London et au Maastricht Institute of Performative Arts, Diane explore actuellement les principes de l&#8217;opéra dans sa pratique à l&#8217;Institut Sandberg.

Diane Mahín

GUT imagine comment les humains se comportent lorsque leur corps se retrouve sens dessus dessous.
Vous rencontrerez un humain dont les sons intestinaux sont amplifiés. Les pensées, les actions, les communications, les mouvements et les sentiments de l&#8217;homme aux tripes sont tous déterminés par ses sons intestinaux.
Ce monde performatif attire l&#8217;attention sur la frontière ténue entre la vie et la mort, le raisonnement conscient et l&#8217;instinct subconscient, ce qui donne lieu à une expérience viscérale et absurde. Les visiteurs sont invités à entrer et sortir de cette performance de longue durée.

Joanie Lemercier (née en 1982) est un artiste visuel français et un militant écologiste dont le travail explore la perception humaine à travers la manipulation de la lumière dans l&#8217;espace. Travaillant principalement avec la projection de lumière et la programmation informatique, Lemercier transforme l&#8217;apparence des objets et des formes quotidiennes, pliant la réalité à son imagination.
Ces dernières années, Lemercier s&#8217;est de plus en plus intéressé au changement climatique et à la dégradation de l&#8217;environnement, mettant ses compétences en matière de projection et son art au service de causes et de groupes militants tels que Extinction Rébellion, Les Soulèvements de la Terre, Ende Gelände, et développant un nouveau corpus d&#8217;œuvres, Slow Violence, qui examine les effets dévastateurs de l&#8217;extraction du charbon sur l&#8217;une des plus anciennes forêts d&#8217;Europe.
Il travaille avec la lumière projetée depuis 2006 et a cofondé le célèbre label visuel AntiVJ en 2008. Représenté par une galerie new-yorkaise depuis 2010, Joanie a fondé son studio de création à Bruxelles en 2013, sous la co-direction de Juliette Bibasse.

Joanie Lemercier

Brume est une installation contemplative utilisant un dispositif d&#8217;eau atomisée sur mesure.
Avec l&#8217;espace et l&#8217;immatérialité comme toile, créant une projection flottante dans l&#8217;air, Joanie libère son travail de la physicalité des dispositifs habituels. Grâce à cet outil volumétrique, il modifie notre rapport frontal à l&#8217;écran et permet de nouvelles interactions entre le spectateur et l&#8217;image projetée.
Il explore les possibilités de ce nouveau médium avec une série de tableaux qui interrogent notre vision de la réalité.
Dans son travail, Joanie recherche des sujets intemporels comme la lumière, la matière, la géométrie. Avec Brume, il s&#8217;intéresse également au lien entre l&#8217;eau et la lumière.
Comme une transition ou un passage, le visiteur découvre une image intangible, suspendue dans le vide. Pour Joanie, c&#8217;est une forme d&#8217;accomplissement que de &#8220;s&#8217;échapper de l&#8217;écran&#8221;.
L&#8217;image se déplace dans l&#8217;espace et les mouvements du spectateur apportent de la profondeur. Ce temps de contemplation et de calme invite à une expérience sensorielle : apprécier le bruit de l&#8217;eau, sentir la fraîcheur de la brume.
Studio Joanie Lemercier : 
Co-direction : Juliette Bibasse 
Développement technique : Martin Pirson 
Production : Nicolas Roziecki.
Ce projet est soutenu par la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Brume

VOID est un collectif de plasticiens réunissant Arnaud Eeckhout (BE 1987) et Mauro Vitturini (IT 1985). Ils vivent et travaillent à Bruxelles depuis 2013. Actifs tant en Belgique qu’a l’étranger, ils furent notamment lauréat du Salomon Residency Award à New York (2019) et du Prix Médiatine (2015).
VOID développe une recherche plastique qui interroge le son comme vecteur de représentation, utilisant le médium sonore de la même manière qu’un peintre son pinceau pour tracer les contours du visible. 
L’invisibilité autant que l’immatérialité du son deviennent, chez le duo, le point de départ d’une prospection qui interroge les phénomènes du langage ainsi que de la mémoire. Leur production pluridisciplinaire se développe via de formes très variées telles que la vidéo, l’installation, le livre, la performance, les pièces sonores ou encore les interventions dans l’espace public.

Collectif VOID

Night Shift est un Opéra aléatoire pour chœur de robots articulés.
Ce projet a été réalisé grâce à la collaboration du Colletif VOID avec des chercheurs de l&#8217;Université de Namur (UNamur).
Night Shift est basé sur les recherches d&#8217;Elio Tuci et Timoteo Carletti (UNamur) dans le domaine de la robotique bio-inspirée et de l&#8217;intelligence computationnelle. L&#8217;installation met en scène une troupe de robots conçus pour fonctionner de manière autonome, en suivant un ensemble restreint d&#8217;actions. Tout comme les individus d&#8217;un essaim (abeilles, fourmis, etc.), chaque robot de Night Shift suit son propre chemin.
Les règles sont les suivantes :
Marcher droit 
SI croiser la route d&#8217;un pair 
ALORS arrêter de marcher et commencer à chanter 
ALORS répéter
Les robots interagissent les uns avec les autres de manière aléatoire, chacun avec son propre ensemble de paroles générées, créant ainsi une composition sans fin, toujours différente.
Apparemment occupés à leur tâche, les robots anthropomorphisés sont appelés les Watchmen, les gardiens d&#8217;un espace vide. Leurs paroles révèlent l&#8217;aspect sisyphéen de tout acte de surveillance, ainsi que la condition des êtres humains qui y participent :
Nous avons observé et marché, 
Nous avons cherché et scanné, 
Mais nous nous demandons toujours quel est notre plan, 
Y a-t-il un but dans cet endroit, 
Ou sommes-nous simplement en train de remplir un espace vide ?
L&#8217;installation est réalisée en collaboration avec le KIKK, TRAKK, UNamur, la Fédération Wallonie Bruxelles.
Chanteurs : Philippe Favette &#8211; Kenny Ferreira &#8211; Julie Calbete &#8211; Julie Vercauteren 
Supervision technique : Elio Tuci &#8211; Timoteo Carletti 
Ingénierie : Muhanad Hayder

Night Shift

Colllectif VOID

Heuninck utilise des capteurs et des machines qu&#8217;il a lui-même construits pour explorer l&#8217;enregistrement des paysages contemporains. Il garde les processus simples et transparents, utilisant les ordinateurs et les machines pour leur précision et leur nature répétitive. Les résultats peuvent être complexes et surprenants, les transitions entre l&#8217;espace et les données évoquant un sentiment d&#8217;émerveillement.
Heuninck s&#8217;inspire de l&#8217;esthétique des images scientifiques et intègre les aspects techniques de la création d&#8217;images numériques dans sa pratique. Utilisant une variété de médias, ses œuvres touchent constamment au matériau du film et à la notion de cinéma. Il désoriente doucement l&#8217;observateur en changeant la perspective dans l&#8217;espace, sur le papier ou dans un fichier de données numériques.

Elias Heuninck

(L&#8217;Archipel)
Les objets présentés dans cette installation vidéo ont été trouvés comme passagers clandestins dans une imprimante 3D. Les excédents de cire et de résine sont déposés dans un tiroir au fond de l&#8217;imprimante. Les déchets fondus, solidifiés et agglutinés une fois refroidis, sont d&#8217;anciennes stalagmites dans une machine de haute technologie. Parce qu&#8217;il s&#8217;agissait d&#8217;objets sans intention ni fichier source numérique, on leur a donné les deux. Les surfaces ont été scannées en 3D et mises à l&#8217;échelle pour devenir des îles immatérielles dans la vidéo.
L&#8217;image de l&#8217;île a été créée pour les surfaces blanches des objets à travers l&#8217;histoire, et les spectateurs peuvent y projeter leur imagination. Cette œuvre transforme les objets en une expérience cinématographique et teste les différents états dans lesquels un objet peut résider. Du physique au numérique en passant par le mental. De la cire, des octets, un scénario et de la lumière. C&#8217;est ainsi que les objets, en vue les uns des autres et pourtant séparés, aspirent à voyager à travers les apparences et les états de la matière.
Crédits :
Écriture et narration : Emi Kodama 
Vidéo : Elias Heuninck 
Musique : 1-100 de Michael Nyman, interprétée par un ordinateur
Remerciements à : 
&#8211; Simon Baetens 
&#8211; Anouk De Clercq 
&#8211; Jerry Galle 
&#8211; Stefaan Quix 
&#8211; Pieter Vereertbruggen 
&#8211; Lisa Wilkens
Produit par : 
&#8211; Werktank 
&#8211; Communauté flamande
The Archipelago fait partie de Tools For Things And Ideas, un projet de recherche de KASK &amp; Conservatorium financé par le Fonds de recherche artistique HOGENT.

The Archipelago

Maarten Vanden Eynde (Belgique, 1977) est un artiste visuel diplômé en 2000 du département des médias libres de l&#8217;Académie Gerrit Rietveld à Amsterdam (NL), qui a participé en 2006 au programme expérimental MSA (Mountain School of Arts) à Los Angeles (US) et a terminé un cours de troisième cycle en 2009 à l&#8217;Institut supérieur des beaux-arts HISK à Gand (BE), où il est régulièrement invité en tant que tuteur. Depuis 2020, il est doctorant à l&#8217;université de Bergen, en Norvège, et se concentre sur l&#8217;histoire et l&#8217;évolution des dispositifs de mémoire externes. En 2017, il a été nommé pour le premier Belgian Art Prize et a remporté le prix du public.
En 2005, il a fondé avec Marjolijn Dijkman Enough Room for Space, une initiative artistique interdépendante qui développe et coordonne des événements, des résidences, des projets de recherche et des expositions dans le monde entier. Parmi les expositions individuelles récentes, citons Exhumer le futur à La Kunsthalle Mulhouse, FR (2022) ; Tracing Memories à la galerie NOME, Berlin, DE (2022) ; Digging up the Future à Mu.ZEE, Ostende, BE (2021).
Parmi les expositions collectives récentes, citons : Beaufort 21 Triennial, BE (2021) ; Z33 House for Contemporary Art, Design &amp; Architecture, Hasselt, BE (2020) ; Museum Morsbroich, Leverkusen, DE (2020) ; Tallinn Photomonth &#8211; Contemporary Art Biennial, EE (2019) ; 6th Lubumbashi Biennale, DRC (2019) ; RIBOCA/Riga International Biennial of Contemporary Art, Riga, LV (2018) ; Belgian Art Prize 2017, Bozar, Brussels, BE (2017) ; 2050. A Brief History of the Future au National Museum of Fine Arts, Taichung, TW (2018), Palazzo Reale, Milan, IT (2016) et The Royal Museums of Fine Art, Bruxelles, BE (2015) ; Réalités Filantes, 4th Biennale de Lubumbashi, CD (2015) ; Beyond Earth Art au Johnson Museum of Art, Ithaca, US (2014) ; Ja Natuurlijk, Gemeentemuseum Den Haag, NL (2013) ; The Deep of the Modern, Manifesta9, Genk, BE (2012) ; The Museum of Forgotten History, M HKA, Antwerp, BE (2012) et Dublin Contemporary à Dublin, IR (2011).
Vanden Eynde est représenté par la galerie Meessen De Clercq à Bruxelles, Belgique, et la galerie NOME à Berlin, Allemagne.

Maarten Vanden Eyde

Les cinq principaux gyres océaniques &#8211; les gyres du Pacifique Nord et Sud, les gyres de l&#8217;Atlantique Nord et Sud et le gyre de l&#8217;océan Indien &#8211; recueillent et contiennent des matières plastiques provenant du monde entier. C&#8217;est dans le gyre du Pacifique Nord, en 1997, que le capitaine Charles Moore a découvert une vaste accumulation de débris plastiques, que l&#8217;on a appelé la &#8220;Grande plaque de déchets du Pacifique&#8221; (Great Pacific Garbage Patch). Cette découverte l&#8217;a amené à créer l&#8217;Algalita Marine Research and Education Foundation à Long Beach, en Californie.
C&#8217;est auprès du capitaine Moore que Vanden Eynde a obtenu ses premiers échantillons de plastique. De retour dans son atelier, il a constaté qu&#8217;en fondant, le plastique prenait une forme apparemment plus naturelle, ressemblant à un récif corallien coloré. Les déchets plastiques acquièrent une étrange beauté tout en créant une double référence à l&#8217;abondance inquiétante de plastique dans l&#8217;océan et à la disparition accélérée des récifs coralliens dans le monde entier. C&#8217;est ainsi qu&#8217;a commencé la construction de Plastic Reef, une sculpture en expansion qui, au cours des cinq années suivantes, a pris du poids et de la taille à chaque fois qu&#8217;elle a été exposée, contribuant à sensibiliser à la pollution plastique tout en faisant allusion à son escalade. Au total, plus de 1 000 kilogrammes de débris plastiques provenant des cinq gyres ont été extraits des océans. En 2012, lorsqu&#8217;il a été exposé à la Biennale Manifesta9 à Genk, en Belgique, Plastic Reef avait atteint sa taille maximale de 450 × 500 centimètres. Par la suite, plusieurs récifs en plastique plus petits ont été créés.
Ironiquement et tragiquement, en 2015, des scientifiques ont découvert que le corail naturel ingère des microplastiques, s&#8217;empoisonnant ainsi. 
Avec l&#8217;acidification et l&#8217;augmentation de la température des océans, c&#8217;est l&#8217;une des principales raisons de la disparition de la Grande Barrière de Corail.

Plastic Reef (Récif de Plastique)

Plastic Reef (Récif de plastique)

Momoko Seto est née à Tokyo en 1980. Elle a étudié l&#8217;art 
à l&#8217;École Supérieure des Beaux-Arts de Marseille, puis au Studio national d&#8217;art contemporain du Fresnoy.
Elle travaille actuellement comme réalisatrice de films au CNRS 
(Centre national de la recherche scientifique) à Paris, où, en collaborations avec des chercheurs, elle réalise des documentaires.
Plusieurs de ses courts métrages et documentaires ont été sélectionnés et primés dans divers festivals internationaux (Cannes, Locarno, Rotterdam&#8230;). Son court métrage PLANET Σ a reçu le Audi Short Film Award à la Berlinale (2015), un prix récompensant les films &#8220;d&#8217;avant-garde et artistiquement forts&#8221;.

Momoko Seto

Le monde est devenu une vaste planète desséchée, où la culture du coton, surexploité pour des raisons économiques, est la principale cause de la désertification. Un désert salin recouvre des hectares de terres asséchées où apparaissent d&#8217;étranges arbres à sel.
Ce phénomène fait écho à une catastrophe écologique encore plus grande, la désertification de la mer d&#8217;Aral. Et l&#8217;humain est toujours responsable&#8230;

PLANET A

Depuis plus de 15 ans, l&#8217;artiste Martin Messier crée des œuvres où l&#8217;art sonore rencontre la lumière, la robotique et la vidéo. Sous forme de performances et d&#8217;installations, ces œuvres mettent le corps à l&#8217;avant-plan.
Après des études en composition à l&#8217;Université de Montréal, Martin débute une pratique sonore expérimentale intégrant des images vidéo. Il développe rapidement des dispositifs audiovisuels performatifs qui mettent en scène des objets du quotidien et le potentiel sonore de leurs différents matériaux.
Plusieurs projets de collaboration ont été réalisés au fil des ans, notamment avec les artistes Nicolas Bernier, Caroline Laurin-Beaucage, Anne Thériault et Jacques Poulin-Denis.
Les dernières œuvres de Martin Messier comprennent Innervision (2019), un projet extérieur monumental interprété par 60 danseurs, la performance audiovisuelle Echo Chamber, la performance chorégraphique Con Sordina et la performance lumineuse et sonore Elusive Matter.
Présentées dans une cinquantaine de pays, les productions de Martin Messier ont reçu plusieurs prix et nominations : une mention spéciale au Prix Ars Electronica en 2010 ; un Prix Opus en 2012 ; le Prix du meilleur court métrage expérimental au Festival du film underground de Lausanne en 2013 ; le Victor Martyn Lynch-Staunton Award du Conseil des arts du Canada en 2014 ; une mention spéciale du jury au Japan Media Awards 2015 ; le World OMOSIROI Award au Japon en 2018 ; et en 2021, le 2e prix au Athens Digital Arts Festival.
En 2010, il a créé 14 lieux, une société dédiée à la production d&#8217;œuvres d&#8217;art performatives et d&#8217;installations, dont il est depuis le directeur général et artistique.
Il vit et travaille à Montréal.

Martin Messier

Cycles est une installation où chacun est invité à prendre conscience des relations qui lient les phénomènes cycliques et imprévisibles. Harmonie et chaos s&#8217;interpellent dans cet espace où les huit fils de lumière dansent et se déploient.
Malgré la vivacité de sa propulsion, le fil laisse une impression de flottement. En marquant la nuance entre la pureté de ce mouvement suspendu et la violence du mécanisme qui le féconde, l&#8217;œuvre propose une expérience où l&#8217;infini cohabite avec les recommencements qui en font partie.
Ces dialogues se retrouvent également dans l&#8217;espace sonore : les moteurs accordés enveloppent la musique diffusée de leurs timbres insaisissables et dessinent ce paysage dans lequel l&#8217;harmonie se construit autant par sa puissance que par sa vulnérabilité.
Concept, composition audiovisuelle, programmation : Martin Messier
Design, hardware : David Gardener
Première phase de recherche : Maxime Damecour, Robocut
Techniciens : Lilian Guiran, Francis Vaillancourt-Martin
Production : 14 lieux

Cycles

Entre projets artistiques et campagnes de sensibilisation, Laura Krsmanovic est également membre du collectif créatif 254Forest. En Septembre 2020, elle crée le projet pluridisciplinaire poétique et engagé ISOLA explorant les liens invisibles qui nous connectent. Vous êtes-vous déjà senti comme un fragment isolé ? Et si nos questionnements avaient en fait une racine commune ? La séparation, qu’elle soit de la nature, de notre rapport au féminin, de nos aînés, de nos morts etc.
À travers ces expériences sensibles, son intention est de faire évoluer le regard sur le vivant et de susciter l&#8217;émotion pour une relation plus respectueuse envers les autres, soi-même, la nature.

Laura Krsmanovic

“On emporte ses morts partout avec soi, et s’ils restaient au cimetière, cela se saurait. La vie et la mort ne sont pas hermétiquement séparées, et l’eau qui coule n’imperméabilise pas nos vies du deuil.” (Vivre avec nos morts, Delphine Horvilleur)
Qu’est-ce qui sépare la vie de la mort ? Cette question existentielle est le pilier universel commun de toute expérience humaine. Qu’on l’envisage comme un phénomène de transmigration ou de réincarnation de l’âme, ou qu’on lui préfère le portail mystique matérialisé par les eaux troubles mais franchissables du fleuve Styx, nombreux sont les mythes et philosophies nous rappelant que les êtres qui sont « passés de l’autre côté » sont peut-être bien plus proches de nous que ce que l’on veut bien croire.
Mais aujourd’hui en Occident, tout pousse à nous détacher de telles conceptions du monde. Alors, à l&#8217;image de l’eau qui s’évapore dans l’air avant de redevenir liquide, ne serait-il pas temps de repenser non seulement la porosité entre la vie et la mort mais aussi la place des morts dans le monde des vivants ?
ORA use de compositions musicales électroniques contemplatives émaillées de témoignages narrant les différentes manières qu’ont les défunts de continuer à peupler nos mondes émotionnels. Au centre d’une pièce immergée dans une ambiance lumineuse apaisante, trône une cabine téléphonique irradiante, en connexion directe avec l&#8217;au-delà. Le dispositif évoque le « Téléphone du Vent » (Kaze no Denwa) installé à Ōtsuchi après le séisme meurtrier qui endeuilla le Japon en 2011. Un jeu de lumières subtil et mouvant détourne le public de l&#8217;environnement extérieur, le plongeant délicatement dans une atmosphère propice à une paisible introspection, comme on s’abandonnerait au flot d’une rivière. Les participant.e.s sont invité.e.s à explorer au plus profond de leurs émotions – libres de parler comme de demeurer silencieux.ses – l’ouïe envoûtée par les voix des récits et les paysages sonores. Un instant suspendu à la fois dans le temps et l’espace, où les univers de la vie et de la mort se rejoignent grâce au pouvoir de l’imagination et de l’expérience. ORA propose de s’immerger dans le monde de l’invisible pour réinventer notre perception de la mort et du deuil tout en laissant sa place à la tristesse et au souvenir.

ORA : Écouter nos Morts

Grand Manège

Amos Peled (né en 1997 en Inde, basé aux Pays-Bas) est un artiste multidisciplinaire qui se concentre sur l&#8217;art de la performance, la musique expérimentale et les technologies. Il est titulaire d&#8217;une maîtrise d&#8217;ArtScience (2022) et d&#8217;un diplôme d&#8217;études cinématographiques et des nouveaux médias.
Peled introduit des technologies médicales dans des environnements créatifs afin de susciter le doute, de remettre en question les conventions et de provoquer des réflexions sur ce qui est considéré comme normal ou ordinaire, en particulier en termes médicaux.

Amos Peled

Phantom Limb (Le Membre fantôme) (2023) est un projet qui explore la relation énigmatique et poétique entre un être humain et la boîte noire qu&#8217;est son intérieur à travers l&#8217;utilisation d&#8217;un appareil à ultrasons médical. Amos Peled a développé des méthodes pour effectuer des manipulations audiovisuelles qui transforment l&#8217;appareil à ultrasons en un instrument qui illumine l&#8217;intérieur du corps et élargit l&#8217;espace de l&#8217;acte artistique dans les organes, sous la peau. L&#8217;œuvre explore des concepts tels que la distance entre le corps humain et l&#8217;idée de soi, la relation hiérarchique entre l&#8217;intérieur et l&#8217;extérieur, la douleur en tant que message poétique et l&#8217;absence de symétrie interne.
Dans Phantom Limb, la technologie médicale des ultrasons est revisitée dans un contexte artistique, où la machine devient une source d&#8217;investigation inductive, créative et spéculative. En découvrant la variété de sons et d&#8217;images que la machine peut produire et en utilisant un système audio-visuel spécial, un cadre ludique pour construire des séquences stimulant l&#8217;imagination et des outils de narration visuelle est établi, ce qui crée les conditions pour réimaginer la technologie médicale.
L&#8217;intérêt de Peleds pour le thème de la technologie médicale vient de l&#8217;expérience qu&#8217;il a acquise en grandissant dans un environnement hospitalier, où il a observé de première main les processus de travail du système médical.
Phantom Limb est une commande de iii en collaboration avec Rewire, Amare et Tetem.
Assistant artistique et de production : Andrejs Poikans
Développement de logiciels et assistant artistique : Daniel Treystman
Son : Liza Kuzyakova, Amos Peled, et Andrejs Poikans

Phantom Limb

Navid Navab, né et élevé à Téhéran (IR), est un alchimiste des médias, un compositeur antidisciplinaire et un sculpteur audiovisuel basé à Montréal, qui étudie le potentiel de formation des processus matériels chaotiques, à la recherche d&#8217;un ethos collaboratif pour la création de sens ludique avec des indéterminations écologiques.
Intéressé par la poétique de la schizophrénie, du geste et de la matérialité, Navab compose depuis plus d&#8217;une décennie des expériences multisensorielles, enchevêtrant humains, machines et matérialités à la fois in situ et de concert, de manière à permettre un engagement critique avec des matières de processus excitables.
Les œuvres de Navab, qui prennent la forme de compositions sonores gestuelles, d&#8217;architectures réactives, d&#8217;interventions spécifiques, d&#8217;environnements participatifs et de sculptures cinétiques, ont été présentées internationalement dans des festivals tels que Ars Electronica (AT), Kapelica Gallery (SL), device_art triennial (HR), NEMO Biennale (FR), Sonica Biennale (BG), Eufònic (ES), Canadian Center for Architecture (CA), Japan Society (US), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), milanOltre (IT), HKW (DE), Kiblix (SL), Guelph Jazz (CA), et FIMAV (CA).

Navid Navab

Aquaphoneia est une installation alchimique centrée sur la poésie du temps et la transmutation de la voix en matière.
Un grand cornet flottant dans l&#8217;espace fait écho aux fantômes des machines d&#8217;Edison, de Bell et de Berliner. Mais à la différence des premiers enregistrements, qui rassemblaient l&#8217;énergie sonore pour graver des motifs de pression dans la matière solide, cet étrange assemblage transmute la voix en eau et l&#8217;eau en air. Les voix désincarnées abandonnent leurs sources pour traverser l&#8217;horizon des événements du cor. Le schizo-phone tombe dans les profondeurs étroites de la cloche, pressé dans l&#8217;infini spatio-temporel, calciné, liquéfié et libéré : la voix aqueuse s&#8217;écoule alors dans trois chambres alchimiques où le temps intérieur s&#8217;abandonne aux tempi de la matière : sans attache, mais lucide et sonore.
Dans un coin, des voix bouillonnant à l&#8217;intérieur d&#8217;une sphère de feu sont amenées à l&#8217;entropie et transmutées en une concentration intemporelle de brume spectrale et de vapeur phonétique. Une chambre Ouroboros transforme les voyelles fermentées en consonnes distillées pour libérer une fine lame de prosodie. Cette matière alchimique visqueuse s&#8217;abaisse jusqu&#8217;à la terra beneath où la matière danse sur sa propre tonalité affective. Un autre appareil sépare la parole en éléments vitaux, une goutte à la fois : les mots en phonèmes, en particules phono et les quanta invisibles du silence.

Aquaphoneia

Navid Navab & Michael Montanaro

Barthélemy Antoine-Lœff
Barthélemy Antoine-Lœff est un artiste plasticien français, &#8221; éleveur d&#8217;icebergs &#8220;, dont les créations d&#8217;œuvres optiques et numériques, parfois interactives, souvent immersives, expriment des univers traversés par une relation contemplative et écologique de la nature et des éléments. Profondément touché par la disparition de la cryosphère, ses recherches actuelles l&#8217;amènent à s&#8217;interroger sur l&#8217;ironie de la rentabilité de la réparation du climat et son impact sur nos modes de vie, ainsi que sur le coût énergétique des œuvres exposées.
Antoine Meissonnier
Passionné par les expérimentations numériques, Antoine Meissonnier développe et expérimente autour d&#8217;interactions tangibles et visuelles mêlant théâtre, performance et technologies. Donner vie à des scénographies, prototyper des jeux vidéo, créer des installations monumentales, concevoir de l&#8217;électronique : Antoine mélange les médiums pour donner corps aux idées.
Le travail d&#8217;Antoine est technique, mais il prend soin de laisser entrer une part de mystère et de poésie dans son travail.

Barthélemy Antoine-Lœff & Antoine Meissonnier

Ce qui disparaît se transforme aussitôt en éternité explore les multiples questions de la réparation du climat et du technosolutionnisme à l&#8217;aide de l&#8217;intelligence artificielle.
L&#8217;installation met en scène un laboratoire fictif pour mesurer la fonte de mini icebergs symboliques qui sont générés dans la glace, avant d&#8217;être placés dans une cellule d&#8217;analyse dans le but de trouver l&#8217;iceberg ultime : celui qui, par sa forme, fera consensus, celui qui mettra le plus de temps à fondre, en fonction des analyses des icebergs précédemment générés.
L&#8217;installation utilise un algorithme génétique spécialement développé pour tenter de résoudre ce problème d&#8217;optimisation climatique&#8230;
Le postulat de départ est évidemment absurde, et ironique. Tout comme l&#8217;idée d&#8217;imaginer pouvoir &#8220;réparer&#8221; le climat en prolongeant artificiellement la vie des icebergs à l&#8217;aide d&#8217;un algorithme génétique.

Ce qui disparaît se transforme aussitôt en éternité

Ce qui disparaît se transforme immédiatement en éternité

Né en 2011, le studio s’articule d’emblée autour d’une préoccupation principale : créer des concepts mettant les sensations de l’utilisateur au centre de l&#8217;expérience interactive.
Le projet est porté par Gaël Bertrand et Gaëtan Libertiaux, tout droit sortis en 2008 d&#8217;un groupe de musique. Si les premiers dispositifs interactifs qu’ils imaginent sont musicaux, ils expérimentent rapidement d&#8217;autres terrains de jeu, l&#8217;art interactif devenant ainsi leur sport favori.
Instigateur d’expériences, collectives ou intimistes, le studio se concentre sur la mise en place d&#8217;expériences sensibles, à mi-chemin entre art et spectacle vivant. Centrale, universelle autant que particulière dans sa résonance émotionnelle, l&#8217;intuition s’inscrit dans une démarche à la dérive philosophique, technologique et artistique, et toujours au service de la sensation.

Superbe - Gaëtan Libertiaux & Gaël Bertrand

As part of the Capture #2 exhibition to be held at <a href="https://www.le-pavillon.be/en/">Le Pavillon</a> from 23 September 2023 to 14 January 2024
L’installation From0 met en avant la nature versatile du vivant.
Le dispositif postule et souligne l’instabilité de tout équilibre, voué à échapper au contrôle. Avec From0, l&#8217;harmonie glisse de l’ordre au chaos et inversement, du chaos retrouve sa forme initiale. From0 déconstruit progressivement tout signifiant pour lui offrir une échappée de sens et met ainsi en relief la distance entre le concept et la nature matérielle, musicale du langage. L’occasion rêvée d’entendre certains mots sous un nouveau jour et replonger ipso facto dans une sorte de bain émotionnel originel. Entendre les mots se répéter, se décaler doucement pour laisser s’installer la musicalité, et s’y laisser couler.
Le mot From0 est un mot composé du mot “From” en anglais et du “O”. Il évoque le point de départ, le zéro et en même temps le rond évoque la perfection de l’unité de la forme ainsi que la boucle qui se répète. Cette unité qui se déstructure devant nos yeux et nos oreilles pour resurgir quelques minutes plus tard lorsque le cycle de déphasage est accompli. Le mot redevient alors intelligible. De la répétition peut naître un savoir, un ordre. La compréhension de cet ordre est donc rendue abordable par le biais de cette répétition, cette déconstruction répétée.

From0

Le Pavillon

Superbe

Après un bachelor en photo-vidéo à l’Institut Supérieur des Arts de St Luc à Tournai (2010) puis un master en art plastique à la Luca School of Arts de Bruxelles (2012), Marc Buchy (1988, Fr, vit et travaille à Bruxelles) a complété son cursus par le post-diplôme de l’IHEAP à New York (2015). Son travail protéiforme, entre actions performatives, protocoles et situations construites se veut une réflexion autour du capitalisme cognitif caractérisant notre époque.
Il a participé à des expositions collectives en Belgique (Société, Centrale for Contemporary Art, Centre de la Gravure de la Louvière, ISELP…) et à l’international (Friche Belle de Mai (Marseille), In Extenso (Clermont-Ferrand), CAN (Neuchâtel) Material (Zürich), The Others Art Fair (Turin), Galeriji SC (Zagreb), Antena (Chicago)…) et a aussi été l’objet d’expositions monographiques (BPS22 (Charleroi), Nei Liicht (Luxembourg), entre autres).

Soirées & Performances

Soirée d’ouverture KIKK – AfriKIKK

KIKK After Party

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