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Une délégation québécoise de près de 15 entreprises créatives et numériques prendra d’assaut le KIKK durant ses quatre jours de festival avec un pavillon aux couleurs bleues et blanches.
De la réalité virtuelle, en passant entre autres par l’intelligence artificielle, le mapping vidéo, les installations interactives et la scénographie augmentée, ces secteurs d’activité en pleine effervescence seront mis de l’avant par ces créateurs québécois friands de rencontres et de collaborations transatlantiques.
Venez découvrir les créatifs du Québec !

À la rencontre de créateurs québécois en vue de collaborations transatlantiques !

Creative Village

Pavillon Québec

À l’occasion de la 12ème édition du KIKK Festival, la France sera représentée par plusieurs acteurs de premier plan issus des industries culturelles et créatives :
&#8211; Une représentation de professionnels de la filière des arts hybrides et cultures numériques conduite par le Réseau national HACNUM : Electroni-k, Interstice, Chroniques, Saint-Ex culture numérique, Festival ZERO1, Le Cube-Garges, 36 degrés, BLIIIDA, La Citadelle, Hexagone, OVVO Studio, Grenier à sel, Ensembles 2.2, Rencontres audiovisuelles… ;
&#8211; Des artistes et créateurs émergents du Fresnoy – Le Studio national des arts contemporains ;
&#8211; Des entrepreneurs et des startups créatives ;
L’occasion inédite de rencontrer ces acteurs majeurs lors des temps forts France : Petit-déjeuner B2B, Conférence HACNUM dans la Friends Zone et de les retrouver au sein du Pavillon France.
L’objectif est de permettre aux professionnels belges et internationaux de découvrir un écosystème attractif et rencontrer les entreprises innovantes, artistes émergents et  professionnels français prescripteurs dans le champ de la création numérique.
L&#8217;initiative est portée par l’Ambassade de France en Belgique dans le cadre d’EXTRA avec le soutien de l’Institut français, les collectivités territoriales françaises, le réseau HACNUM et le Fresnoy.

Un échantillon des meilleures entreprises innovantes françaises

Un échantillon des meilleures entreprises innovantes françaises sera présent au Village.

Pavillon France

Le  jeudi 26 et le vendredi 27 octobre
Vitrines des écosystèmes créatifs internationaux, les pavillons par pays accueillent entreprises, studios et artistes numériques et créatifs. Cette année, le Pavillon Wallonie-Bruxelles sera situé au cœur du festival et destiné à valoriser le meilleur des industries créatives wallonnes et bruxelloises.
Studios créatifs, entreprises technologiques travaillant avec et pour le secteur, agences créatives, artistes numériques ou autre acteur.ice.s de l&#8217;écosystème ? Vous êtes en phase d&#8217;internationalisation, à la recherche de nouveaux partenaires, acheteur.euse.s ou investisseur.euse.s ?
Le KIKK Festival vous propose d&#8217;y être représenté.e et de bénéficier d&#8217;un soutien de notre équipe pour optimiser votre networking et répondre à vos besoins.
Posez votre candidature pour rejoindre le pavillon Wallonie-Bruxelles. 
Formulaire de candidature disponible <a href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfTTVYByeBrEyrquzc8ymLdD04VMIdZEkIr0EPs7V2ssv0NBg/viewform" target="_blank" rel="noopener">ici</a>.
Au-delà d’une vitrine, la participation au Pavillon Wallonie-Bruxelles vous donne accès à plusieurs soirées de networking avec les autres délégations du festival et au programme de la “Friends Room”, un espace de conférences B to B 100% dédié aux professionnels actifs dans le secteur des ICC pour développer réseau et connaissance des aides et supports au développement des entreprises créatives en Wallonie et à Bruxelles.

Une sélection d'entreprises innovantes wallonnes et bruxelloises

Venez découvrir le savoir-faire des entreprises wallonnes et bruxelloises

Pavillon Wallonie-Bruxelles

Le KIKK Pro est l’espace de networking réservé à tous les détenteurs d’un pass pour le festival. Cet espace est un réel environnement d’affaires dans lequel vous pourrez retrouver des espaces où inviter vos clients, partenaires et prospects potentiels. Une app B2B est également proposée à tous les détenteurs d’un pass permettant la mise en réseau de leur profil avec d’autres.

KIKK Pro

Espace de networking

Le Market est l&#8217;endroit où vous découvrirez les projets uniques et innovantes d&#8217;entrepreneurs belges et internationaux talentueux. Au programme : une sélection d&#8217;objets innovants à manipuler, à tester avant tout le monde. Ouvert de 10h à 18h (dimanche de 10h à 16h).

KIKK MARKET

Découvrez, manipulez, testez !

KIKK Market

La mission de l&#8217;équipe derrière kingkong ? Être des explorateur.ice.s passionné.es. Inspiré par l&#8217;art, la culture, le numérique et l&#8217;innovation, kingkong est un média, une voix, qui promeut une écriture enthousiaste et créative. Il croise les points de vue, raconte des histoires de vie, donne envie à ses lecteurs d&#8217;approfondir des sujets, des pratiques, des esthétiques, approfondit et mélange les idées, propose des solutions, bouleverse les perceptions, déclenche des frissons de toutes sortes, et offre une grande dose de divertissement à la fois décalé et, pour la plupart, intelligent.
Cousu à la main à Namur, en Belgique, kingkong est un média qui promeut les cultures créatives et numériques, pour les flâneur.euse.s comme pour les glaneur.euse.s, avides d&#8217;innovations et de tout ce qui est pluridisciplinaire.
Durant le festival, les deux Julie de kingkong se poseront sous le chapiteau du Creative Village et proposeront deux formats originaux de contenus :
Les interviews Donut : courtes interviews en sortie de scène, présentant les &#8220;do&#8221; et les &#8220;do not&#8221; des thématiques abordées par les speakers lors de leur intervention à l&#8217;occasion du festival.
Les interviews À emporter : À emporter est un format court d’interview embarqué et sur le pouce, à suivre aux quatre coins de la ville de Namur pendant les quatre jours du festival.

kingkong, ses deux Julie, ses deux formats

L'équipe de kingkong couvrira le KIKK festival. Ne manquez pas les deux Julie !

kingkong

Envie de boire un verre en famille ou entre amis durant le festival ? 
Rendez-vous sous le chapiteau Place d’Armes ! 
Nous avons un large assortiment de bières et soft à vous proposer.

Vous pensiez vraiment qu'il n'y aurait pas de bar chez nous ?

Creative village & B2B

Lieu central du festival, le Creative Village regroupe le KIKK Market, l'espace pro et un bar. C'est également ici que vous ferez connaissance avec la crème des écosystèmes créatifs de plusieurs pays et régions en visite au festival.
Avec le soutien du Feder et de Digital Wallonia .

Creative Village & B2B

Venez découvrir de nouvelles technologies, logiciels et techniques !

TRAKK

Workshops & Masterclasses

Workshops et Masterclasses

Les workshops du KIKK sont l'occasion pour les participants de découvrir de nouvelles technologies, logiciels et techniques. Organisés en marge du festival, les ateliers varient de quelques heures à une journée.

PORTO ROCHA est une agence de branding et de design basée à New York développant un travail créatif et stratégique qui s&#8217;engage profondément dans le monde dans lequel nous vivons.
Elle se situe à l&#8217;intersection de la stratégie et du design, de l&#8217;entreprise et de la culture, de l&#8217;artisanat et du travail à grande échelle.
Travaillant en étroite collaboration avec des personnes et des entreprises pour créer des systèmes de marque, des produits et des expériences, ils cherchent à provoquer des changements significatifs à travers leur travail, qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets à grande échelle qui touchent des publics importants ou d&#8217;initiatives motivées par des considérations sociales et culturelles.
Felipe Rocha : Fondateur et directeur de la création 
Felipe Rocha est un designer et directeur créatif brésilien basé à New York. Il a commencé sa carrière en 2008 et a depuis travaillé dans différents domaines du design, notamment l&#8217;image de marque, l&#8217;expérientiel, l&#8217;éditorial, le numérique et la publicité. Felipe a créé des œuvres culturellement pertinentes pour des marques mondiales telles que Netflix, Airbnb et Spotify, où il a dirigé la conception de nouvelles initiatives de marque et de collaborations avec des artistes majeurs. Il a également travaillé en tant que designer senior chez Sagmeister &amp; Walsh, a cofondé Arnold, un studio de design graphique à São Paulo, et a effectué une résidence à Fabrica, le laboratoire créatif de Benetton en Italie, où il a travaillé sur l&#8217;emblématique magazine COLORS.
Leo Porto : Fondateur et directeur de la création 
Leo Porto est un designer et directeur créatif brésilien vivant à New York. Avant de créer PORTO ROCHA, Leo était directeur du design chez COLLINS. Tout au long de sa carrière, Leo a travaillé dans des studios renommés tels que Pentagram, Mother et Chermayeff &amp; Geismar &amp; Haviv. Largement reconnu par un certain nombre de prix de design et de publications majeures telles que The One Club, Print Magazine et The Type Director&#8217;s Club, Leo a également été nommé &#8220;Young Gun&#8221; par The Art Directors Club. Axé sur la stratégie de marque et les systèmes de conception, le travail de Leo maintient une présence mondiale grâce à ses conceptions pour certaines des plus grandes marques du monde, notamment Target, Nike et Twitch.

Porto Rocha

(Quels futurs pourrions-nous concevoir ?)
Cofondée par les designers brésiliens Leo Porto et Felipe Rocha, PORTO ROCHA est une agence de design basée à New York qui travaille à l&#8217;intersection de la stratégie et de la culture. Dans cette session, Felipe et Leo discuteront de leur parcours créatif et exploreront les changements de paradigme qui affectent les designers contemporains et futurs.

What Futures Could We Design ?

Théâtre

Gemma O&#8217;Brien est une designer et une artiste de renommée internationale connue pour ses graphiques audacieux, ses lettrages illustratifs et ses peintures murales.
Ses œuvres ont été commandées par Apple, Nike et Google, et font partie de la collection permanente du Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum à New York.
En dehors de son travail de conception commerciale, elle explore le langage, la nature et l&#8217;expérience humaine à travers sa pratique artistique.

Gemma O'Brien

(Comment devenir une artiste ultra)
Après une décennie passée à travailler dans le domaine du graphisme, de l&#8217;art et de l&#8217;illustration, Gemma O&#8217;Brien a été intriguée par l&#8217;idée que l&#8217;ultrarunning pourrait en fait contenir les secrets d&#8217;une longue vie d&#8217;artiste.
Rejoignez-la au KIKK à Namur 2023 pour qu&#8217;elle partage les premières histoires de sa carrière, les processus pratiques derrière ses plus grandes installations murales et qu&#8217;elle explique ce que signifie, selon elle, être une artiste ultra.

How to Be An Ultra Artist

Gemma O’Brien

Edan Kwan (né en 1986 à Hong Kong) est un artiste numérique visionnaire et un directeur créatif très demandé dans les secteurs dynamiques du design et de la publicité. Grâce à sa capacité unique à combiner l&#8217;art et la technologie, il est reconnu comme un artiste de pointe et une force créative avec laquelle il faut compter.
Après avoir vécu et travaillé dans des centres créatifs dynamiques tels que Hong Kong, New York et Tokyo, Edan vit aujourd&#8217;hui au Royaume-Uni, où il possède et dirige Lusion, un studio de production numérique plusieurs fois primé et réputé pour créer des expériences numériques immersives et avant-gardistes pour des marques de premier plan.

Edan Kwan

(Expérience immersive en pyjama : Une Histoire fantastique à dormir debout au royaume de la créativité)
À travers le miroir de cet exposé, vous découvrirez comment peindre avec la physique et sculpter avec les mathématiques, en utilisant la créativité comme palette et WebGL comme toile. Vous traverserez les autoroutes en néon de la visualisation de données, escaladerez les sommets chatoyants de la modélisation 3D et plongerez dans les océans iridescents des expériences immersives.

Immersive Experience in Pyjamas : A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Immersive Experience in Pyjamas: A Fantastical Bedtime Story from the Realm of creativity

Nadieh Bremer est une artiste qui, après avoir obtenu un diplôme d&#8217;astronome, a commencé à travailler comme data scientist avant de trouver sa véritable passion dans la visualisation de données.
En tant que &#8220;Meilleure personne&#8221; des Information is Beautiful Awards en 2017, et coautrice de Data Sketches, elle se concentre sur des visuels qui sont conçus de manière unique pour chaque ensemble de données spécifique, en utilisant souvent des ensembles de données vastes et complexes tout en employant des palettes de couleurs vibrantes.
Elle a réalisé des visualisations et des œuvres d&#8217;art pour des entreprises telles que Google News Lab, Sony Music, l&#8217;UNICEF, le New York Times et l&#8217;UNESCO.

Nadieh Bremer

(Visualiser les connexions)
Les connexions font partie de nous, du monde, qu&#8217;il s&#8217;agisse des connexions entre les personnes, entre les cultures, au sein d&#8217;une même langue, et bien plus encore. À l&#8217;heure où l&#8217;on recueille chaque jour plus de données que l&#8217;on ne pourrait jamais espérer explorer, la variété des connexions recueillies ouvre la voie à la visualisation de ces réseaux (souvent complexes).
Au cours de cet exposé, Nadieh vous fera découvrir le processus de conception de plusieurs de ses travaux de visualisation de données (interactives), qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets personnels ou de travaux réalisés pour des clients. Le point commun de tous ces travaux est qu&#8217;ils révèlent tous des liens, mais tous différemment. D&#8217;un arbre généalogique de 3000 personnes liées aux maisons royales européennes, à ceux qui existent entre notre patrimoine culturel immatériel créé pour l&#8217;UNESCO, aux connexions que nous avons dessinées dans le ciel nocturne, à quelque chose avec les chats et les chiens&#8230;
Nadieh nous révélera que tous les types de connexions sont uniques et que les subtilités qu&#8217;elles recèlent nécessitent une approche créative, itérative et personnalisée.

Visualizing Connections

La Bourse - Rops

Felipe Sánchez Luna est un artiste qui se concentre sur la musique, les expériences interactives et les arts numériques. Originaire de Bogotá, en Colombie, il s&#8217;est installé à Berlin, en Allemagne, et a cofondé le studio d&#8217;expériences sonores kling klang klong. Avec une formation en codage créatif et une passion pour la conception sonore, Felipe mélange habilement des éléments issus du cinéma, de la musique, de la danse et des technologies de pointe pour créer une musique générative captivante et des moteurs audio intelligents. Tout en créant des expériences sonores à l&#8217;aide de technologies interactives, Felipe cherche à mieux comprendre le contexte socio-politique qui nous entoure. Sa quête incessante de créativité et d&#8217;avancées technologiques a fait de son équipe une figure de proue dans le paysage en constante évolution de la musique, de la scénographie sonore, du son interactif et de la composition musicale par l&#8217;intelligence artificielle.
kling klang klong est un studio de création qui compose du son et du code pour des expériences sonores. L&#8217;équipe est composée de compositeurs, de concepteurs sonores, de penseurs créatifs, de scientifiques et de technologues qui explorent de nouvelles façons d&#8217;émouvoir les gens grâce à l&#8217;impact du son. Leur travail peut être trouvé internationalement dans des environnements réels et virtuels, des espaces d&#8217;art, des musées ou des événements.

Felipe Sanchez Luna - kling klang klong

(Résonance : Explorer le pouvoir de transformation du son)
Le son et la musique sont des éléments essentiels des expériences immersives, car ils servent de canaux aux émotions et à la compréhension du subconscient. Ce médium magique possède la remarquable capacité de modifier les esprits et même d&#8217;influencer le comportement. Felipe vous invite à jeter un coup d&#8217;œil derrière le rideau créatif du studio berlinois kling klang klong. Depuis près d&#8217;une décennie, ce collectif innovant fusionne harmonieusement la musique, le son, la technologie et la science, créant des expériences auditives extraordinaires qui captivent et inspirent.
Qu&#8217;il s&#8217;agisse de projets artistiques poétiques ou d&#8217;explorations stimulantes de questions urgentes telles que le changement climatique, kling klang klong a perfectionné l&#8217;art de transformer des concepts complexes en expériences émotionnelles tangibles. À travers leurs œuvres et installations diverses, ils tissent habilement des liens entre des sujets variés, comblant le fossé entre la compréhension intellectuelle et la connexion émotionnelle.

Resonance : Exploring the Transformative Power of Sound

Kling Klang Klong

Maya Indira Ganesh
Maya Indira Ganesh est chercheuse, écrivaine et éducatrice dans le domaine de la technologie et des cultures numériques. Elle codirige un programme de maîtrise sur l&#8217;éthique et la société de l&#8217;IA à l&#8217;université de Cambridge et est chargée de recherche au Leverhulme Centre for the Future of Intelligence (Centre Leverhulme pour l&#8217;avenir de l&#8217;intelligence). Elle a obtenu un doctorat en études culturelles de l&#8217;université de Leuphana, à Lüneburg, en Allemagne, pour un travail qui analysait la formation sociale de l&#8217;éthique et de l'&#8221;autonomie&#8221; dans les voitures sans conducteur.
En 2022, elle a coorganisé AI Anarchies avec Nora N Khan pour l&#8217;Académie allemande des arts/Junge Akademie ; en 2023, Maya est conseillère auprès du Martin Gropius Bau, à Berlin, pour leur première exposition sur l&#8217;IA, Ether&#8217;s Bloom.
Avec Georgina Voss et Maria Yablonina, elle forme le studio expérimental Writing Club.
Georgina Voss
Georgina Voss est artiste, écrivaine et éducatrice. Son travail explore la présence et la politique des technologies à grande échelle, de l&#8217;industrie lourde et des systèmes complexes par le biais de performances, d&#8217;installations multimédias, d&#8217;écrits et de projets de recherche à long terme.
Georgina a présenté son travail dans des institutions telles que transmediale, TAC Eindhoven, Tate, Auto Italia South East, STUK, Brighton Digital Festival, Akademie Schloss Solitude, Vienna Design Biennale et London Design Festival. Elle est l&#8217;autrice de Systems Ultra, à paraître chez Verso en janvier 2024.
Georgina est actuellement maître de conférences en systèmes et déviance au London College of Communication, University of the Arts London. Elle a fondé et codirigé le studio de recherche Strange Telemetry et a obtenu son doctorat en études scientifiques et technologiques à la SPRU de l&#8217;université du Sussex.

Writing Club - Maya Indira Ganesh & Georgina Voss

(Les contours troubles et rugueux de l&#8217;IA)
L&#8217;anthropologue Pamila Gupta déclare : &#8220;Si la colonialité est établie par la terre, le décolonial pourrait-il être suggéré par l&#8217;eau ?&#8221;
Les affects et les temporalités poétiques, queer, mystiques, oniriques et magiques fonctionnent comme un brouillard féministe et décolonial qui masque ostensiblement les arêtes vives de la promotion de l&#8217;IA. Mais nous risquons également de nous perdre dans ce brouillard.
Cette performance-conférence examine la politique culturelle qui consiste à nous frayer une voie en tenant compte de la matérialité de la cohabitation à l&#8217;époque de l&#8217;IA.

The hard watery edges of AI

Maya Indira Ganesh & Georgina Voss – Writing Club

Carl Addy est un directeur créatif exécutif et un réalisateur pluridisciplinaire. Il réalise des travaux visuels révolutionnaires dans les domaines de la conception, des médias numériques et de la technologie VR immersive. Son art de la narration est toujours empreint d&#8217;une affection ludique et d&#8217;un divertissement conceptuel à couper le souffle. Il travaille à la fois en action réelle et en animation, combinant son obsession pour la musique avec sa connaissance des tendances numériques et de la réalisation de films.
Carl a remporté des prix de publicité, de conception et de réalisation. Il est fréquemment invité à s&#8217;exprimer lors de conférences créatives dans le monde entier, telles que SXSW, Cannes Lions, Offf et FITC. Ses sujets de prédilection sont la narration moderne, l&#8217;avenir du contenu, la RV et les défis créatifs.
Carl est directeur créatif exécutif chez Mayda, un collectif créatif issu des mondes de la publicité, de la technologie, du cinéma et du jeu.

Carl Addy

(Un Voyage à Mayda)
Selon les premiers cartographes, Mayda est une île inexistante de l&#8217;Atlantique Nord qui a été représentée sur plusieurs cartes publiées à différents moments de l&#8217;histoire.
En plus d&#8217;être un nom provocateur pour un collectif créatif, Mayda est également une métaphore du travail dans un paysage en constante évolution.
Carl utilisera son propre parcours multidisciplinaire comme étude de cas sur la façon de &#8220;naviguer dans les histoires du futur&#8221;, ou comment travailler avec concentration tout en acceptant la distraction comme catalyseur créatif.

A Journey to Mayda

Vera-Maria Glahn est une facilitatrice créative, une stratège et une cheffe d&#8217;entreprise avec près de 20 ans d&#8217;expérience dans l&#8217;art numérique et le branding.
À une époque où les défis socio-économiques, technologiques et environnementaux sont les plus radicaux, les plus rapides et les plus interdépendants, Vera croit au pouvoir que les concepteurs et les artistes peuvent exercer dans les processus de changement et d&#8217;innovation &#8211; et à la responsabilité des créatifs d&#8217;en faire bon usage.
Après des années de formation dans les arts médiatiques et le design expérimental, Vera a cofondé FIELD.IO, un studio de création indépendant qui explore l&#8217;art numérique, le design génératif et les nouveaux formats de branding.
Vera est une oratrice et une experte chevronnée qui participe à des conférences sur le design dans le monde entier. Elle est également une mentore et une défenseure du leadership féminin et de la diversité des voix dans les industries créatives.

Vera-Maria Glahn

(Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives)
Dans un secteur qui privilégie l&#8217;excellence des résultats et le génie créatif par-dessus tout, parlons-nous suffisamment de la manière dont nous faisons les choses ? Vera-Maria Glahn, responsable des opérations créatives et stratège, et ancienne directrice d&#8217;un studio de création indépendant, pense que ce n&#8217;est pas le cas.
Son projet Le Guide du leadership non toxique dans les industries créatives est un recueil collaboratif de méthodes et de mécanismes destinés aux fondateur.ice.s, aux responsables de la création et aux artistes, sous la forme d&#8217;un glossaire en ligne, qui s&#8217;enrichit en temps réel.
En rassemblant les enseignements et les stratégies d&#8217;un réseau de contributeur.ice.s issu.e.s de nombreux secteurs des industries créatives, ainsi qu&#8217;en appliquant des notes tirées de publications et d&#8217;entretiens à la pratique du design, du numérique, des médias et des arts, le manuel s&#8217;efforce de fournir une inspiration, une sensibilisation et des conseils tangibles sur la manière de &#8220;créer en collaboration&#8221; de manière positive et solidaire, pour une culture du travail plus égalitaire et plus diversifiée.

The Handbook of Non-Toxic Leadership in the Creative Industries

Kirsty Jennings est une productrice multidisciplinaire et une dirigeante stratégique qui a fait ses preuves dans l&#8217;obtention de commandes et de partenariats internationaux, dans la conduite de changements organisationnels et dans la production d&#8217;œuvres primées de grande qualité et d&#8217;une grande ambition artistique. Elle est productrice exécutive pour Anagram, un studio créatif primé spécialisé dans la narration interactive et la conception d&#8217;expériences immersives.
Auparavant, Kirsty a travaillé pendant huit ans en tant que directrice commerciale pour le groupe d&#8217;artistes de renommée internationale Blast Theory. À ce poste, elle a produit des œuvres d&#8217;art sous de multiples formes immersives, notamment Karen (2015), une œuvre d&#8217;art numérique explorant le profilage des données ; des pièces de théâtre immersives à forte charge politique telles que Operation Black Antler (2016) ; des collaborations internationales à grande échelle telles que 2097 : We Made Ourselves Over (2017) et des longs métrages interactifs en direct, dont Bloodyminded (2018).
Kirsty a également travaillé avec Documentary Campus, 104 Films et Sheffield Doc/Fest.

Kirsty Jennings d'Anagram

(Tout ce que vous ressentez est réel)
Mélange d&#8217;expériences tangibles et d&#8217;histoires impossibles pour déterrer de petites vérités. Comment pouvons-nous utiliser les mondes immersifs pour réimaginer le monde et la place que nous y occupons ?
Dans cette conférence, Kirsty discutera du pouvoir des expériences physiques pour façonner la perception dans les espaces virtuels. Elle se concentrera sur l&#8217;expérience VR d&#8217;Anagram, Goliath : Playing with Reality (2021), qui associe la puissance sensorielle du théâtre immersif à la technologie récemment disponible pour inviter de manière ludique le public à pénétrer dans des mondes alternatifs et à comprendre de manière unique notre propre esprit.

Everything you feel is real

Anagram

Kyle McDonald est un artiste du code basé à Los Angeles. Il crée des installations interactives, des interventions furtives, des sites web ludiques, des ateliers et des boîtes à outils pour d&#8217;autres artistes travaillant avec le code. Il explore les possibilités des nouvelles technologies pour comprendre comment elles affectent la société, pour les utiliser à mauvais escient et pour construire des futurs alternatifs ; il cherche à partager un rire, à susciter la curiosité, à créer la confusion et à partager des espaces avec des vibrations magiques. Il travaille sur l&#8217;apprentissage automatique, la vision par ordinateur, les technologies sociales et de surveillance dans des espaces commerciaux et artistiques.
Kyle a également été professeur adjoint à l&#8217;ITP de NYU, membre du F.A.T. Lab, community manager pour openFrameworks, et artiste en résidence au STUDIO for Creative Inquiry à CMU, et au YCAM au Japon. Ses œuvres ont été commandées et exposées dans le monde entier, notamment au V&amp;A, au NTT ICC, à Ars Electronica, à Sonar, à Todays Art et à Eyebeam.

Kyle McDonald

Ces dernières années, la pratique artistique de Kyle s&#8217;est concentrée sur des projets liés à l&#8217;océan et au climat : enquête sur les infrastructures énergétiques et les émissions, travail sur les chants de baleines à bosse et l&#8217;apprentissage automatique, et assistance aux marins polynésiens qui documentent le partage de leurs techniques de voyage traditionnelles.
Cette orientation lui a permis de mieux comprendre sa relation à l&#8217;environnement et aux autres, et a bouleversé son point de vue sur le rôle que la technologie peut jouer dans notre société.

Notes from the Pacific

Anna Ridler est une artiste et une chercheuse qui travaille sur les systèmes de connaissance et sur la façon dont les technologies sont créées afin de mieux comprendre le monde. Elle s&#8217;intéresse particulièrement aux idées de mesure et de quantification, ainsi qu&#8217;à leur rapport avec le monde naturel. Son processus consiste souvent à travailler avec des collections d&#8217;informations ou de données, en particulier des ensembles de données, pour créer des récits nouveaux et inhabituels.
Son travail a été largement exposé dans des institutions culturelles du monde entier, notamment au Barbican Centre, au Centre Pompidou, au HeK Basel, à la Photographers&#8217; Gallery, au ZKM Karlsruhe, à Ars Electronica et au Victoria and Albert Museum.

Anna Ridler

(Les Données synthétiques)
Anna examinera la relation entre les données et l&#8217;intelligence artificielle et la manière dont elles peuvent être utilisées à des fins artistiques, ainsi que la manière dont les développements récents des modèles de texte et d&#8217;image de grande taille pourraient changer cette situation.

Synthetic Data

Étienne Mineur, né en mai 1968, est un designer, éditeur et enseignant français dont le travail se concentre sur la relation entre le design graphique et l&#8217;interactivité. Il est le fondateur des Éditions Volumiques, une maison d&#8217;édition ainsi qu&#8217;un studio d&#8217;invention, de conception et de développement de nouveaux types de jeux, de jouets et de livres consacrés à la relation entre le tangible et le numérique.

Étienne Mineur

(Utiliser des intelligences complémentaires en design)
L&#8217;intelligence artificielle, qui simule l&#8217;intelligence humaine, a fait des progrès considérables grâce au Machine Learning et au Deep Learning. Aujourd&#8217;hui, ces &#8220;intelligences&#8221; surpassent les humains dans de nombreux domaines, bien qu&#8217;elles soient dépourvues de morale et d&#8217;éthique. L&#8217;IA générative, capable de créer des contenus originaux, est en train de révolutionner différents secteurs, dont celui du design. Au cours de cette présentation, Étienne exposera un certain nombre de projets utilisant l&#8217;IA dans le design, et démontrera comment ces IA peuvent aider à développer de nouvelles idées et formes, ainsi qu&#8217;à améliorer le processus créatif.

Using complementary intelligences in design

Delta

Zachary Lieberman est artiste, chercheur et éducateur. Son objectif est simple : il veut vous surprendre. Dans son travail, il crée des performances et des installations qui prennent en compte les gestes humains et les amplifient de différentes manières : il donne vie à des dessins, imagine ce à quoi la voix pourrait ressembler si nous pouvions la voir, transforme les silhouettes des gens en musique.
Il a été cité parmi les personnes les plus créatives de Fast Company et ses projets ont remporté le Golden Nica d&#8217;Ars Electronica, l&#8217;Interactive Design of the Year du Design Museum de Londres, et ont figuré dans la liste des meilleures inventions de l&#8217;année de Time Magazine. Il crée des œuvres d&#8217;art en écrivant des logiciels et est co-créateur d&#8217;openFrameworks, une boîte à outils C++ open source pour le codage créatif. Il a également participé à la co-fondation de la School for Poetic Computation, une école qui étudie les possibilités lyriques du code, et y enseigne. Il est également professeur au Media Lab du MIT, où il dirige le groupe Future Sketches.

Zach Lieberman

(Travailler de manière ouverte)
À l&#8217;aube de ses 40 ans, Zach a décidé de s&#8217;adonner à la pratique du croquis quotidien, en réalisant de petites œuvres d&#8217;art codées qu&#8217;il publie sur les médias sociaux pour saluer le monde. Cette façon de travailler ouvertement a radicalement modifié sa façon de concevoir la création. Dans cette conférence, Zach explorera comment les petites choses peuvent devenir de grandes choses, et ce qu&#8217;il a appris en remodelant sa pratique.

Working openly

Alysha Naples travaille à l&#8217;intersection de l&#8217;art et de la technologie pour créer des expériences qui soutiennent authentiquement le corps, l&#8217;esprit et l&#8217;âme de ceux qui y participent. Elle a passé plus de dix ans à enseigner dans certaines des plus grandes institutions artistiques des États-Unis et a reçu de nombreuses récompenses pour ses solutions innovantes, notamment un DA&amp;D Silver Award, un Webby Award pour le meilleur site web de services et une distinction en tant que Gold Instructor de Graphis New Talent.
Plus récemment, Alysha était Chief Experience Officer pour Tin Drum, un collectif de contenu créant des expériences de réalité mixte transcendantes. Son travail a été exposé à la Serpentine Gallery de Londres, au Victoria &amp; Albert (V&amp;A) Museum de Londres, à Pioneer Works et The Shed à New York, ainsi qu&#8217;au Manchester International Film Festival. Alysha a également été jurée pour la section VR de la Biennale de Venise en 2019. Elle vit et travaille à Amsterdam, aux Pays-Bas.

Alysha Naples

(Émettre, Transporter, Transcender)
Transportez-vous dans un endroit heureux. Un endroit où vous aimez retourner. Un endroit où vous vous sentez connecté, calme et protégé. Un endroit où vous vous sentez en sécurité pour explorer et où vous avez envie de vous engager. Où se trouve cet endroit ? Quelles sont ses caractéristiques ? Quelle est l&#8217;importance de la technologie dans cette scène ?
Une grande partie de l&#8217;expérience actuelle de la technologie est spécifiquement conçue pour voler votre attention, détourner votre temps et transférer votre présence du monde réel.
Alysha a passé la majeure partie de la dernière décennie à concevoir des expériences holistiques et immersives en réalité augmentée qui mettent l&#8217;accent sur la contemplation et la présence. Ce travail l&#8217;a amenée à collaborer avec divers artistes, notamment des acteur.ice.s, des artistes, des danseur.euse.s et des musicien.ne.s qui souhaitaient tou.te.s entrer en contact avec leur public. Explorons comment nous pouvons utiliser la technologie pour créer des expériences transcendantes.

Transceive, Transport, Transcend

OMSE est un studio créatif qui conçoit des marques simples et percutantes.
Depuis 2016, ils travaillent avec des noms connus et de futurs visionnaires pour les aider à avoir un impact sur le monde qui les entoure et à construire leur héritage. Avec une éthique basée sur la formation de partenariats créatifs étroits, ils ont été en mesure de collaborer avec un nombre incroyable d&#8217;artistes et de s&#8217;associer à des clients allant de la plus grande chaîne de sushis du Royaume-Uni à une boîte de nuit qui abritait autrefois la plus grande usine d&#8217;impression d&#8217;Europe occidentale, en passant par le premier gin de Chine, et bien d&#8217;autres encore.

OMSE  (James Kape & Pedro Messias)

(Les Pattes de canard)
Cette conférence vous emmènera sous la surface. OMSE plongera dans les coulisses du studio et partagera les histoires qui se cachent derrière les projets que vous avez vus partout dans le monde.

The Ducks Legs

OMSE

Valentina Peri est une commissaire d&#8217;exposition indépendante, une artiste et une autrice basée à Paris.
Son travail porte sur le rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement sur l&#8217;amour et l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique, l&#8217;histoire des médias et les technologies de l&#8217;anthropocène. Elle a organisé des expositions, publié des écrits et donné des conférences sur un large éventail de sujets dans ces domaines.
Son exposition itinérante Data Dating, sur l&#8217;amour à l&#8217;ère d&#8217;Internet, a été présentée à Paris, Tel Aviv, Londres, Bruxelles, Genève et Brescia. Dans le cadre de cette exposition, elle a coédité un recueil d&#8217;essais publié par Intellect : Data Dating. Amour, technologie, désir (2021).
En 2022, elle a commencé à faire des recherches sur le phénomène des escroqueries à la romance sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest et a publié le livre The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, une collection de messages originaux d&#8217;escrocs à l&#8217;amour ghanéens. Elle travaille actuellement sur un nouveau livre basé sur ses recherches en Côte d&#8217;Ivoire sur les &#8220;brouteurs&#8221;, ou fraudeurs de l&#8217;amour.
Elle a reçu une bourse Fluxus Art Projects Grant en 2022 pour sa recherche curatoriale sur l&#8217;histoire des rencontres : The Museum of Dating, présentée à Londres en 2023. À cette occasion, elle écrit et réalise le film Joan Ball. The Lady of Computer Dating.
Depuis 2021, elle collabore en tant que commissaire d&#8217;exposition avec peer-to-space, une plateforme d&#8217;exposition indépendante basée à Berlin. De 2011 à 21, Valentina a été directrice associée et commissaire d&#8217;exposition à la Galerie Charlot Paris &#8211; Tel Aviv, une galerie d&#8217;art contemporain axée sur les nouveaux médias. Valentina Peri est également cofondatrice de SALOON Paris, un réseau international et diversifié de femmes identifiant les professionnelles de l&#8217;art, qui fait partie du réseau SALOON.

Valentina Peri

La conférence Love, Lies and Romance Scam (Amour, mensonges et arnaque sentimentale) se penche sur le monde intrigant des rencontres en ligne et sur le domaine des escroqueries à la romance. Valentina Peri, commissaire indépendante, artiste et auteur, nous guidera dans une exploration de l&#8217;amour, de l&#8217;intimité et de la tromperie à l&#8217;ère numérique.
Valentina Peri a consacré sa carrière à l&#8217;examen du rôle de la technologie dans la culture contemporaine, et plus particulièrement à l&#8217;amour et à l&#8217;intimité à l&#8217;ère numérique. Son exposition itinérante, Data Dating, qui suscite la réflexion, montre l&#8217;impact profond de la technologie sur les relations amoureuses. En remettant en question nos perceptions de l&#8217;amour, du désir et de la connexion à l&#8217;ère des rencontres en ligne et des interactions virtuelles, Valentina offre un nouvel éclairage sur la dynamique complexe de la romance moderne.
En 2022, Valentina s&#8217;est lancée dans un projet de recherche novateur centré sur le phénomène des escroqueries amoureuses sur Internet en Afrique de l&#8217;Ouest. Ces escroqueries, également connues sous le nom d&#8217;escroqueries aux rencontres en ligne, consistent à faire croire à des personnes qu&#8217;elles entretiennent une relation amoureuse avec quelqu&#8217;un qu&#8217;elles ont rencontré en ligne. En réalité, leur prétendu partenaire est un escroc qui utilise une fausse identité pour gagner leur confiance et finalement leur demander de l&#8217;argent.
Les découvertes et les expériences directes de Valentina au Ghana sont relatées dans son livre, The New Romance Scammer&#8217;s Instructor, publié en 2022. Cette publication perspicace présente une collection de messages originaux d&#8217;escrocs ghanéens, mettant en lumière leurs pratiques trompeuses. Valentina se concentre principalement sur l&#8217;exploration du langage amoureux contemporain à l&#8217;aide d&#8217;outils numériques, et sur la création d&#8217;un pont avec la tradition des manuels de rédaction de lettres d&#8217;amour des 18e et 19e siècles. Ces manuels, connus sous le nom de The Lover&#8217;s Instructor au Royaume-Uni, Secrétarie Galant en France et Segretario Galante en Italie, donnaient des conseils sur la rédaction de lettres d&#8217;amour, en fournissant des exemples, des modèles et des astuces pour les amoureux manquant de prouesses linguistiques ou d&#8217;imagination.
Poursuivant ses recherches en 2023, Valentina s&#8217;est aventurée en Côte d&#8217;Ivoire, un pays francophone, où elle a recueilli des textes romantiques utilisés par les &#8220;brouteurs&#8221; (escrocs en français ivoirien) de la capitale Abidjan et a mené des entretiens avec un groupe de ces fraudeurs de l&#8217;amour. Elle travaille actuellement à la rédaction d&#8217;un nouveau livre, fruit des résultats obtenus au cours de ce travail de terrain.
L&#8217;expertise de Valentina Peri et ses recherches de première main apporteront un éclairage unique sur les domaines fascinants de la complexité de l&#8217;amour, de la tromperie et du paysage numérique dans le contexte des rencontres en ligne.

Love, Lies and Romance Scam

Špela Petrič est une artiste slovène des nouveaux médias avec une formation en sciences naturelles. Sa pratique artistique combine les pratiques biomédiatiques et la performativité, pour mettre en scène d&#8217;étranges relations entre les corps qui révèlent les fondements de nos sociétés (bio)technologiques et pour proposer des alternatives.
Špela expose au niveau international et a reçu plusieurs prix, tels que le White Aphroid (Slovénie), le Bioart and Design Award (Pays-Bas) et un prix de distinction au Prix Ars Electronica (Autriche).

Špela Petrič

(L&#8217;IA comme infrastructure, l&#8217;automatisation comme soin)
Comment l&#8217;automatisation avancée est-elle mise en œuvre dans deux domaines apparemment disparates &#8211; l&#8217;agriculture et les soins de santé &#8211; qui partagent pourtant un élan commun, celui de prendre soin des corps ?
Špela partage des stratégies d&#8217;accès et de production de connaissances communes pour mieux comprendre les dessous cachés de nos sociétés, qui ne sont pas moins politiques que ce que l&#8217;on voit sur nos écrans.

AI as Infrastructure, Automation as Care

Martial Geoffre-Rouland est diplômé de l&#8217;école supérieure de design et d&#8217;ingénierie Elisava de Barcelone. Ses travaux sont axés sur l&#8217;art numérique et les installations interactives.
Il a collaboré avec un grand nombre d&#8217;artistes, de studios indépendants et d&#8217;entreprises internationales dans des domaines tels que le développement web, l&#8217;art numérique et la scénographie.
Son studio solo est spécialisé dans le conseil, la conception, la production et l&#8217;élaboration de projets couvrant un large éventail de sujets, notamment l&#8217;apprentissage automatique, les expériences web UI/UX, l&#8217;éclairage de scène, la visualisation de données, l&#8217;interaction homme-machine, la vision par ordinateur, la réalité augmentée et la conception graphique.
Il est également artiste en résidence au Google Arts &amp; Culture Lab.

Martial Geoffre-Rouland

(Conception, ingénierie et art : un cycle de synergie créative et technique)
Cette session du studio de design Screen-Club explore le parcours de co-création entre les artistes et les technologues.
En mettant l&#8217;accent sur les collaborations artistiques, l&#8217;exposé examine à la fois la vision créative et l&#8217;expertise technique qui contribuent à ces projets. En présentant des œuvres sélectionnées, la discussion vise à mettre en lumière les processus de collaboration et le savoir-faire qui donnent vie à ces œuvres d&#8217;art numériques.

Design, Engineering & Art : A Cycle of Creative and Technical Synergy

Simone Rebaudengo est cofondateur et directeur créatif d&#8217;oio, une société créative qui cherche à transformer les technologies émergentes en une réalité accessible, quotidienne et durable pour les humains et les générations futures.
Il a précédemment conçu des scénarios et des produits d&#8217;avenir pour le Musée du futur de Dubaï, exposé des objets du futur dans de grands musées du monde entier avec son collectif automato.farm et a été concepteur principal pour les visions du futur chez BMW Designworks et frog. Il a collaboré avec Usman Haque et Pachube dans l&#8217;exploration des relations entre l&#8217;homme et la machine dans les premières phases de l&#8217;internet des objets.
Ses travaux explorent les implications de la vie et de la collaboration avec d&#8217;autres intelligences, pas si humaines. Il a co-conçu, avec une IA, une série spéciale de produits pour Iittala, publié un livre de fables sur des avenirs qui dépassent l&#8217;humanité, créé, avec Bruce Sterling, des installations immersives sur le fait d&#8217;être un appareil, ainsi qu&#8217;un court-métrage qui a remporté le prix &#8220;Most Uncanny&#8221; au Robot Film Festival.
Simone est membre du corps enseignant du Master en design pour une IA responsable à ELISAVA à Barcelone, et aussi conférencier invité à l&#8217;Institut de design d&#8217;interaction de Copenhague (CIID). Ses projets ont été récompensés par le Red Dot Design Award, Core77, IXDA Awards et exposés dans des galeries et des musées tels que le Vitra Design Museum, le Triennial Museum de Milan et le MAK de Vienne.

Simone Rebaudengo

(L&#8217;intelligence en tant que matériau)
Dans cet exposé, Simone ne vous expliquera pas comment vous simplifier la vie en utilisant l&#8217;IA, mais plutôt le contraire.
En se basant sur le travail et la recherche de ces dernières années avec oio, il partagera la façon dont lui et son équipe ont expérimenté l&#8217;intelligence artificielle, non seulement comme un outil pour simplifier et rationaliser les processus, mais aussi comme un point de départ pour concevoir des produits inimaginables.

Intelligence as a material

Antoine Bertin est un artiste européen qui travaille à l&#8217;intersection de la science et de l&#8217;immersion sensorielle, de l&#8217;enregistrement sur le terrain et de la narration sonore, des données et de la composition musicale. Ses créations prennent la forme d&#8217;expériences d&#8217;écoute, de moments immersifs et de méditations audio qui explorent nos relations avec le monde vivant.
Le Studio Antoine Bertin est un studio d&#8217;écoute qui conçoit des installations interactives, des performances musicales en direct, des séries de podcasts, des réalités mixtes et des événements sonores immersifs. Le Studio Antoine Bertin est basé à Paris et sur l&#8217;île d&#8217;Alicudi, et travaille à l&#8217;international.

Antoine Bertin

(L&#8217;Écoute biomimétique)
Musique et biodiversité, science et rituels, machines et conversations inter-espèces : concevoir des expériences d&#8217;écoute qui transforment notre relation avec le monde vivant.

Biomimetic Listening

Marcel Ziul, fondateur et directeur exécutif de la création de STATE, a une riche histoire professionnelle qui s&#8217;étend sur plusieurs pays, notamment les États-Unis et le Brésil. Ses diverses expériences culturelles ont façonné son approche innovante de la direction créative, ce qui lui permet d&#8217;apporter une perspective globale à son studio.
Chez STATE, Marcel a collaboré avec des marques de premier plan telles que Apple, Facebook, Nike, Google, FX, NFL, Under Armour, ESPN, Electronic Arts, Amazon, UFC, et bien d&#8217;autres encore.
Depuis la création de STATE en 2014, Ziul et son équipe talentueuse ont été largement acclamés et ont reçu de nombreuses récompenses de l&#8217;industrie, notamment des Clios, des Promax BDA&#8217;s, des MTV VMA&#8217;s et des Emmy Awards.

Marcel Ziul de State

(Nu &#8211; La beauté du sentiment d&#8217;inconfort)
Dans un discours charismatique, Marcel Ziul emmène le public dans un voyage sincère à travers les différents états mentaux que nous rencontrons dans nos carrières. 
L&#8217;honnêteté sans fard de Marcel aborde des questions concrètes sur ce que nous sommes en tant qu&#8217;êtres humains et en tant qu&#8217;artistes, ainsi que sur la manière dont nous pouvons relever les défis, qu&#8217;il s&#8217;agisse de clients exigeants ou de besoins bureautiques insignifiants, de traumatismes précoces ou de notre meilleur &#8220;moi&#8221;.

Naked - The beauty of feeling uncomfortable

State

Chris Salter est professeur d&#8217;arts immersifs et directeur de l&#8217;Immersive Arts Space à l&#8217;Université des arts de Zurich (ZHdK). Il est également professeur émérite en design et en arts informatiques à l&#8217;université Concordia de Montréal, ancien codirecteur du réseau Hexagram pour la recherche-création en arts, cultures et technologies et cofondateur de l&#8217;institut Milieux à Concordia. Il a étudié la philosophie et l&#8217;économie et a obtenu un doctorat en études théâtrales avec recherche en musique assistée par ordinateur à l&#8217;Université de Stanford.
Son travail artistique a été présenté dans le monde entier, notamment à la Biennale d&#8217;architecture de Venise, au Barbican Centre, au Berliner Festspiele, au Wiener Festwochen, au ZKM, au Kunstfest Weimar, au Musée d&#8217;art contemporain, à la Muffathalle, à MUTEK, au festival EXIT et à la Place des Arts de Montréal, parmi bien d&#8217;autres. Il est l&#8217;auteur de Entangled : Technology and the Transformation of Performance (2010), Alien Agency : Experimental Encounters with Art in the Making (2015) et Sensing Machines (2022), tous publiés par MIT Press.

Chris Salter

(L&#8217;art, la science et la politique de l&#8217;immersion)
En 1968, la conservatrice d&#8217;origine polonaise Jascia Reichardt a inauguré à l&#8217;ICA de Londres une exposition historique intitulée Cybernetic Serendipty, dans laquelle toutes sortes de dispositifs, d&#8217;objets et de sculptures équipés de capteurs étaient prêts à faire entrer l&#8217;art dans une nouvelle ère technologique. Il est remarquable qu&#8217;au cours des 54 années qui se sont écoulées depuis l&#8217;exposition de Reichardt, le nombre de capteurs, d&#8217;algorithmes et de dispositifs toujours plus complexes n&#8217;a cessé d&#8217;augmenter, mais l&#8217;objectif est resté essentiellement le même : utiliser des capteurs artificiels comme partie intégrante d&#8217;une œuvre d&#8217;art afin que celle-ci puisse &#8220;donner un sens&#8221; à son &#8220;monde&#8221; et y répondre. Cependant, nos sens humains sont nécessaires pour conduire et alimenter des expériences immersives toujours nouvelles en étant de plus en plus &#8220;couplés&#8221; ou liés à un monde simulé, généré par des machines.
Cet exposé se penchera sur les environnements immersifs de TeamLab installés dans les décharges de Tokyo, sur les visions des artistes des années 1960 visant à créer de nouveaux types d'&#8221;environnements réactifs&#8221; et sur l&#8217;ère &#8220;métaverse&#8221; de la réalité étendue qui vient d&#8217;émerger, afin de brosser un tableau historique et sociotechnique critique de nos visions actuelles et futures de l&#8217;art à l&#8217;ère de l&#8217;immersion.

The art, science and politics of immersion

Marek Tuszynski, directeur exécutif et cofondateur de Tactical Tech (2003), est un cinéaste, producteur, conservateur, enseignant et provocateur dont les interventions créatives couvrent les médias, du cinéma et de la radio à la télévision, en passant par les livres, les expositions, les espaces publics et, bien sûr, le web. Depuis 30 ans, il travaille à l&#8217;intersection de la technologie et de la politique, de l&#8217;information et de l&#8217;activisme, et des conséquences de la vie dans une société quantifiée.
Avant Tactical Tech, il a cofondé des organisations dédiées à la création d&#8217;une économie circulaire de l&#8217;électronique, à la documentation de l&#8217;art contemporain dans les pays post-communistes et à la réponse technologique rapide en cas de crise.
Au sein de Tactical Tech, il a cofondé les Tactical Studios, coorganisé les expositions Nervous Systems : Quantified Life and the Social Question (2016), The Glass Room (2016 &#8211; en cours), et Everything Will Be Fine (2022), et est coauteur des livres Visualising Information for Advocacy et Efficiency And Madness. Marek donne des conférences dans des universités du monde entier, notamment au Maryland Institute College of Art, au département de design du Politecnico di Milano, au Royal Institute of Art de Stockholm, à la New York University de Berlin et à la North Eastern University de Boston.

Marek Tuszynski - Tactical Tech

(Et alors ?)
Les histoires que nous avons besoin d&#8217;entendre n&#8217;ont pas de protagoniste facilement identifiable, une personne ou un groupe de personnes qui peuvent projeter leurs émotions, leurs histoires et expériences uniques, et nous aider à nous identifier aux problèmes et aux luttes qu&#8217;ils ont rencontrés dans le passé ou qu&#8217;ils rencontreront dans un avenir proche. Les histoires que nous devons raconter concernent les données, les algorithmes, les puces de silicium et une foule d&#8217;entreprises sans visage, de protocoles opaques, de techno-fantasmes démesurés et de politiques léthargiques.
Est-il possible de raconter des histoires convaincantes qui créent quelque chose de plus positif que quelques démangeaisons mentales et un inconfort à court terme ?

And so what ?

Tactical Tech

Martin van der Molen et Silas Nout, du Studio Mals, créent des images et des films de haute qualité qui attirent l&#8217;attention. Leur travail est très tangible, de préférence fait à la main, et a une aspect ludique.
Il s&#8217;agit d&#8217;une équipe d&#8217;artisans méticuleux qui chérissent les détails. Leur esthétique distinctive se traduit par des créations artisanales intelligentes, ludiques et ridiculement sexy !

Studio Mals

(Malin, Coloré, Ludique)
Le Studio Mals crée des photos, des vidéos et des animations en stop-motion d&#8217;une netteté ridicule. Leur travail n&#8217;est qu&#8217;espièglerie, et il est entièrement fait à la main. Ici, pas d&#8217;images générées par ordinateur.
Attendez-vous à assister à une explosion d&#8217;esthétique colorée et détaillée, qui se traduit par des créations artisanales incroyablement sexy pour des clients de grandes marques.
Préparez-vous à plonger dans les coulisses de cette magie artisanale, tout en apprenant deux-trois choses sur la gestion d&#8217;une entreprise créative. Ces gars-là savent comment transformer le travail en jeu !

Clever, Colorful, Playful

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